Ravi Shankar - The sounds of India

Música Hindú/ 1968

Con ustedes el "Pandit" Ravi Shankar, este grande de la sítara que le enseñó a Jorgito Harrison.

Nació en India (si, donde más sino), específicamente en Benarés. Es el instrumentista hindú más conocido. Un dato curioso que la verdad me dejó sorprendida, porque nunca lo imaginé, es que este hombre además de ser el padre de otra sitarista (se dirá sitarista?) más, es el padre de Norah Jones...wow, ¡ja!.

Últimamente, no sé porque, estuve a full escuchando el disco "The sounds of India"....

Les puedo confirmar es que es un disco de la hostia y que quiero aprender a tocar esa cosa. Ah, y que también quiero ir a la India. Quiero hacer la gran Jorgito.

Link del youtube para escuchar:

http://www.youtube.com/watch?v=LzN2gUGYUGc

Phir melengay,

Lucianne

Syd Barrett – The Madcap Laughs

1970 – Acid Folk / Rock Experimental

Bueno. Pedazo de disco. Voy a salir un poco de lo progresivo. Melómanos, con ustedes el primer disco solista del amigo Syd Barrett luego de haberle dejado su puesto a David Gilmour en Pink Floyd.
Este disco es una joyita –al menos en mi opinión- porque a pesar de ser “acid folk” o “experimental” me suena totalmente opuesto al resto del material que producían grupos de la época. Es un disco totalmente desgarrador, un espejo fiel del desastroso y muy avanzado estado mental de Barrett. Fue un álbum muy difícil de grabar ya que Syd estaba en otro mundo y a los músicos se les complicaba mucho seguirle el hilo. En medio de ciertas canciones se puede escuchar ruidos de hojas pasando, o voces terriblemente fuera de tono…
El disco fue producido por un grupo de productores entre los que se encontraban Roger Waters y David Gilmour.
Gilmour propuso poner las piezas directamente en crudo, por eso hay temas donde solo se escucha a Syd y su guitarra (una zarpada Telecaster). Es por esto último que el disco cuenta con piezas originales y repeticiones de los mismos bajo el nombre de “take”, es decir, grabaron los temas como correspondía con todos los músicos y pusieron material en bruto en forma de “tomas”, como en el cine.
Es un disco totalmente ilógico, desatinado, confuso, discordante, embrollado y psicodélico (repito, completamente diferente a la psicodélica de la época).
Las letras son increíbles, son caóticas, trastornadas, turbias y confusas.
Olvídense de prolijidad y bienvenidos sean a la depresión Barretteana.
El disco crea un mundo completamente oscuro, opaco, sombrío…
Los highlights del disco: Dark globe, Here I go, Octupus, She took a long cold look, Long gone, Feel y mi favorita, Love you.
The Madcap es un disco terriblemente recomendable para todos aquellos que:
-Les guste Pink Floyd en su período con Barrett.
-Les guste los discos totalmente ECLIPSADOS, escenciales, sustanciales y llenos de material del adentro del compositor.

Links to enjoy:
Octupus: http://www.youtube.com/watch?v=m_6PhexCMow
Long gone: http://www.youtube.com/watch?v=klN627MMm2E
Love you: http://www.youtube.com/watch?v=cs9jwnUlx5o

Boredom,
Lucianne

FELIZ CUMPLEAÑOS AL AMIGO BOB DYLAN QUE ESTA CUMPLIENDO SUS 69 PIRULOS!

FELIZ CUMPLE, BOB!

Samla Mammas Manna (SMM) – Maltid

RIO/Avant-Prog – 1973

Alto nombre, lo sé. SMM es una banda proveniente de Suecia que apareció por esos pagos en los 70. Fue uno de los grupos que fundó el genero RIO (Rock in opposition). Hay quienes dicen que el estilo de composición de estos muchachos (en cuanto a sonido y a humor) se relaciona con aquel de mi difunto esposo Frank Zappa (ya muchos saben que Frank es mi difunto esposo… -¿?-) y también algunos lo relacionan con el sonido de la Canterbury Scene, aunque por una cuestión territorial, esto no puede ser.
SMM tuvo varias formaciones a lo largo de los años (creo que su ultimo CD lo lanzaron en 2002). También varió su estilo y sus nombres a lo largo del tiempo (se llamaron Zamla Mammaz Manna y Von Zamla –el ultimo me re copa-).
Volviendo al tema de la formación, la original estaba integrada por Lars Hollmer en teclados, Hasse Bruniusson (bata), Lars Krantz (bajo), Henrik Öberg (percusión). Para nuestro disco en cuestión se unió Coste Apetrea, guitarrista de jazz-fusion.
Bueno a ver, el disco, Maltid. Para empezar: si te gusta la música seria, dejá de ver este post y ponete a escuchar Crimson (todo bien con Crimson igual, a muerte Crimson).
El disco, al igual que su estilo, es un chiste. Es muy de circo, un tanto teatral. Es tonto y ridículo. Es genial… UNICO gente, UNICO. Es único porque es un humor un tanto tonto fusionado con el virtuosismo de unos músicos de la hostia. Bueno, en cuanto al estilo o sonido, como más gusten llamarlo, podemos decir que Maltid es una melange de toques jazzeros, reminiscencias folk y avant-garde de la buena… más unos locos cantando loca y agudamente…
Es un disco altamente cohesivo. Creo que es el disco más accesible y “digerible” de la banda. Es demasiado ritmico.
Creo que si sos bastante abierto a las cosas nuevas (bue…1973…nuevo dice) y diferentes, Maltid de SMM puede llegar a engancharte.
Ahora, si te gusta el jazz fusion, RIO o avant-garde, dale para adelante.

Some links to enjoy:
http://www.youtube.com/watch?v=J01Lmmmv5Ow
http://www.youtube.com/watch?v=UwDXwyRovk4&feature=related

Saludos gente linda
Peace
Lucianne

Pd: ¡Luli ha vuelto… y en forma de fichas! Tanto tiempo che… re colgueti lo mio, pero la facu me está matando, pero bueno, el que quiere celeste que le cueste (¿?).

Frank Zappa - Chunga's Revenge

1970 - Hard rock/Rock progresivo/Jazz Rock

Chunga's Revenge es un álbum del músico y compositor Frank Zappa lanzado al mercado el 23 de octubre de 1970. El primer álbum de los años 70 de Zappa, incluye a los antiguos miembros de The Turtles, Flo & Eddie, que aparecerían en más álbumes del artista. Chunga's Revenge es un cambio respecto a los álbumes de corte político de los años 60 con The Mothers of Invention, y el jazz rock de Hot Rats.
El contenido del álbum es ecléctico; hay dos improvisaciones de guitarra ("Transylvania Boogie" y "Chunga's Revenge), un blues ("Road Ladies"), un interludio de jazz ("Twenty Small Cigars"), y varias pistas de corte pop ("Tell Me You Love Me", "Would You Go All the Way?", "Rudy Wants to Buy Yez a Drink", "Sharleena"). Las pistas cantadas tratan todos sobre el sexo y encuentros con groupies, y, como Zappa menciona en las anotaciones del álbum, son un adelanto de la película y su banda sonora 200 Motels.

Incluye los temas:
"Transylvania Boogie" – 5:01
"Road Ladies" – 4:10
"Twenty Small Cigars" – 2:17
"The Nancy and Mary Music" – 9:27
"Tell Me You Love Me" – 2:33
"Would You Go All the Way?" – 2:29
"Chunga's Revenge" – 6:15
"The Clap" – 1:23
"Rudy Wants to Buy Yez a Drink" – 2:44
"Sharleena" – 4:04

Extraído de Saint Wikipedia, perdón gente, pero la universidad me consume y no quiero abandonar el blog, ya volveran las reviews!

Bring me to life :p

Lucianne

The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground & Nico

Art Rock/ Protopunk/ Rock Experimental – 1967

Me da muchísimo gusto presentarles este pedazo de disco que seguramente todos conocen: The Velvet Underground & Nico. El álbum se publicó en 1967 bajo la producción del gran artista plástico/cineasta/todoloquefue, Andy Warhol (una de mis grandes influencias).
Para comenzar, como siempre hago, una pequeña reseña biográfica: The Velvet Underground era una banda norteamericana de rock alternativo. Fue una de las bandas más representativas de los años ’60 estadounidenses. Han causado gran influencia en la música ya que ellos jugaban mucho con la desafinación de los instrumentos para lograr sonidos nunca antes obtenidos (idea que obtuvieron de la avant-garde). Sus letras eran realmente escandalosas ya que incluían temas, para ese entonces, impensables como el consumo de droga, la sexualidad, el sadomasoquismo, etc. Fueron un gran símbolo del movimiento underground de EEUU. Los miembros que formaban The Velvet eran, el gran Lou Reed (voz, piano, guitarra, compositor de los temas), John Cale (en bajo, viola eléctrica, órgano y coros), Sterling Morrison (guitarra, bajo) y finalmente Maureen Tucker (batería, percusión). Otros músicos fueron miembros de este grupo también, pero no considero relevante hablar sobre ello aquí. A pesar de no ser una banda comercial, The Velvet Underground llegó a ser conocida gracias a mi, MI Andy Warhol. Para los que no saben, Andy era una especie de cazador de talentos, buscaba gente con personalidad extraña y explotable al máximo. Estas personalidades eran conocidas como Warhol’s Superstars. En aquella época, Warhol se estaba alejando del arte plástico para empezar a incursionar en el ambiente cinematográfico de la mano de otras Warhol’s Superstars como Edie Sedwick. Andy había creado una especie de taller llamado “La Factory” (más tarde, La Silver Factory) donde se encontraba todo su séquito (Andy era una especie de líder o rey que cautivaba artistas y luego los dominaba). En aquel taller enorme fue donde tocó por primera vez The Velvet Underground junto a la cantante alemana Nico (otra de sus superstars) en un evento que se conoció bajo el nombre de EPI (Plástico Explosivo Inevitable). A partir de ahí, La Velvet comenzó a ser una revolución.
Ahora hablemos del disco. The Velvet Underground & Nico fue el primer trabajo de estudio de dicha banda. Como ya dije antes, la temática del álbum era totalmente desubicada para la época, era algo casi hereje. Asuntos como la drogadicción, el sadomasoquismo y la sexualidad (terrible baño de ácido tenían los músicos encima para aquel entonces) llevaron el disco a la censura.
El que realmente le dio “el” toque tan especial del sonido particular de La Velvet fue el bajista John Cale, quien ya había experimentado con músicos como John Cage (quien consideraba a los ruidos como música y centraba todas sus composiciones en ellos) y poco a poco se empezaba a vincular con el movimiento artístico Fluxus (al cual perteneció Yoko Ono, entre otros). Obviamente, Mr. Reed no se quedó atrás.
El disco cuenta con once temas. Los mas controversiales sin duda alguna son varios. “I’m Waiting For The Man” relata la historia de alguien que espera a un hombre que vende drogas. “Femme Fatale” es una canción compuesta e inspirada por Edie Sedwick por orden de Andy. “Venus In Furs” esta basada en una novela homónima (en mi opinión, uno de los mejores temas del disco). “Run, Run, Run” habla de la droga y sus efectos al igual que el temón “Heroin”. “All Tomorrow’s Parties” se dice que fue inspirada por el rutinario estilo de vida de Warhol (vivía todos los días de fiesta en fiesta, incluso no dormía y tomaba pastillas para poder asistir a todas). “I’ll Be Your Mirror” es una canción cantada por Nico que suena genial, pero nunca logré entender que hace ese tema en medio del disco. “European Son” es un tema totalmente limante.
En cuanto al sonido de La Velvet, es tan especial ya que sus integrantes no se quedaron con el sonido convencional de sus instrumentos. Como también mencioné previamente, Reed y Cale desafinaban sus instrumentos para crear un sonido mucho más misterioso. Algo parecido a esto último que hacían era entonar todas las cuerdas en la misma nota (a lo que Reed llamó “guitarra del avestruz”).
La tapa. El trabajo artístico de este discazo fue realizado, adivinen, por MI Andy Warhol. En la portada se puede observar una banana dibujada al estilo “Pop Art” con un fondo blanco (Por algo se le dice el “álbum banana”). Al costado de la misma se puede leer la frase “Peel slowly and see” (pelar despacio y ver). En un principio, la banana no estaba dibujada directamente en la tapa, sino que era una calcomanía. Si se seguían las instrucciones de “pelar despacio y ver”, debajo de la calcomanía se veía el dibujo de la banana, pero en este caso pelada y en color piel. Esto, si entendieron lo que quiere decir, si entendieron la alegoría, causó un gran revuelo. Realizar este trabajo –lo de la calcomanía y demás- elevó el costo de la producción, pero la MGM (quien finalmente realizó el disco, dado que otras discográficas lo rechazaron) decidió financiar este gasto ya que sabían que siendo un trabajo de Warhol, la gente lo compraría. (Obvio, si era tan groso él).
Finalmente y para cerrar, les comento que en la década del ’60 el álbum fue un absoluto fracaso. No tuvo buena promoción y fue rechazado no solo por los medios masivos de comunicación sino también por el público, debido a su temática indebida. Pero, pero, pero (siempre tengo un pero para defender algo que me gusta mucho), fue uno de los discos más influyentes en la historia de la música y de la crítica musical. Se puede decir que este disco impulsó lo que luego sería el rock psicodélico. Actualmente se encuentra en la lista de los mejores 500 discos de la historia y posee una gran significancia cultural e historia. Ah, no olvidemos mencionar que también es una joyita sociológica… es un disco que se puede tomar como el reflejo de la sociedad y juventud norteamericana de la época.
Altamente recomendable.

Some links to enjoy:

Venus In Furs: http://www.youtube.com/watch?v=OdeO8mGNiS0&feature=related
All Tomorrow’s Parties: http://www.youtube.com/watch?v=_KiU5P4ihIQ
Heroin: http://www.youtube.com/watch?v=6xcwt9mSbYE&feature=related

Peace,
Lucianne

King Crimson - In The Court Of The Crimson King

Rock Progresivo - 1969

Este disco fue considerado el primero del rock progresivo. Es una joya, una obra maestra.

No necesita descripción alguna. Una vez en una clase me preguntaron...

"¿Cuándo y de quién te enamoraste por primera vez?...¿Cómo fue que eso afectó tu vida?"...

Esa fue una increíble pregunta para hacer, y yo con mis 19 inocentes años, y tras la ruptura con aquel chico que tanto quise y quiero, contesté...

"Me enamoré de más chica a eso de los 15 años...me enamoré de una cara de tonos rosados, ojos claros, una boca desesperadamente abierta. Un rosto asustado... me enamoré en una cueva... una disquería..."

Me interrumpieron y dijeron:

"¡¡El vendedor!!"

A lo que tranquilamente contesté...

"No. Me enamore de alguien que nació en 1969... In The Court Of The Crimson King"

De más está decir que todos se me cagaron de risa en la cara, pero bueno...fue así.

Fue amor a primera vista, por la tapa del álbum y fue amor a primera "escuchada" porque a partir de ahi (sin olvidar el Nursery Cryme de Genesis) empecé a escuchar rock progresivo y nunca más lo dejé.

El disco, como la gran mayoría de los fanáticos del rock progresivo debe saber, abre con el temón "21st century schizoid man" y te ROMPE el cerebro... pero después cambia con el TEMAZO "I talk to the wind" y genera una atmósfera realmente hermosa que se mantiene a lo largo de todo el disco, exceptuando "Moonchild" donde notamos una gran carga jazzera.

Basta. No digo más de In The Court. Es un disco hermoso. Hermoso.

Lo consiguen, lo bajan, lo escuchan. AMENLO... como yo :)

Gracias Crimson por existir, so' Dio'!

Coffee,

Lucianne

Tubular Bells – Mike Oldfield

Rock Progresivo/Sinfónico – 1973

Well, well, well... Damas y Caballeros, con ustedes el gran trabajo de Mr. Oldfield: Tubular Bells. Fuerte el aplauso…
Chácharas. Mejor me pongo a escribir como corresponde antes de que me revoleen un zapato por la cabeza.
El creador de este gran trabajo fue, ni más ni menos, que el señor Mike Oldfield. El papá de este álbum es de origen inglés (que raro). Es multiinstrumentista y productor.
Se dice que Oldfield creó este pedazo de obra con tan solo 17 años (acá viene la parte en donde yo me tiro por la ventana o me hago el harakiri) y la presentó en varias discográficas pero ninguna la aceptó. Todo cambió un día en que este compositor conoce a Mr. Richard Branson, dueño en aquel entonces de disquerías que te llevaban los discos a domicilio (QUE PLACER). Branson no tardó en convertirse en el fundador de, ni más ni menos, la discográfica Virgin Records. Ahí es cuando Oldfield tiene un golpe de suerte. Tubular Bells fue el disco debut no solo de Oldfield sino también de Virgin Records. Fue tal el éxito de dicho trabajo que se mantuvo como número uno en las listas de ventas por varios meses.
Vayamos a la parte musical. Tubular Bells dura aproximadamente 49 minutos. Solo tiene dos temas: Tubular Bells Part I y Tubular Bells Part II. En el vinilo viene, como es lógico, la parte I del lado A y la parte II del lado B. En el CD se escuchan los dos temas de corrido, obviamente (comentario totalmente neófito, estúpido e innecesario).
La música que contiene este disco se hizo conocida por la gran joya cinematográfica “El Exorcista”. Si, si, el disco abre con la famosa banda sonora de esa película realmente zarpada y es prácticamente imposible no acordarse de aquella escena en donde Regan (Linda Blair) baja por las escaleras en forma de puente o gira la cabeza. Esta música quedó totalmente ligada con dicho film, pero no piensen que es un disco tétrico solamente por esto. Es un trabajo meramente progresivo desde el principio hasta el final. Lo que me gusta mucho de Oldfield en este trabajo es que a lo largo de la obra NUNCA retoma el tema clave (el del exorcista). Solo lo escuchamos unos minutos en cuanto empieza el disco/CD y listo. Si se continúa escuchando, con lo que menos se podría vincular el disco es con “El Exorcista”.
Se experimentan diversas emociones a lo largo del trabajo, ya que abre de manera muy misteriosa y tétrica y termina con “The Sailor’s Hornpipe”, tema absolutamente alegre y pum para arriba. Este último es el único en Tubular Bells que no es obra de Oldfield ya que es una pieza tradicional.
Bueno, que más… a ver… Los diferentes temas que componen tanto Tubular Bells Part I y Tubular Bells Part II se mezclan entre si, se entrelazan. Se escuchan diversos instrumentos, casi todos tocados por Mike Oldfield. Como dije antes, es un disco que genera diversas atmósferas, jugando con los cambios de ánimo.
TB fue grabado en una mansión, The Manor, de manera precaria. Creo que es eso lo que más se aprecia del disco. El mismo Oldfield dijo que el álbum está lleno de desperfectos y fallos técnicos y ahí creo que es donde está el encanto. Mr. Oldfield grabó uno por uno casi todos los instrumentos (a continuación una lista) y ahí es donde se complicó todo, ya que eran muchísimos instrumentos y solamente se disponía de ocho canales para grabar todas las pistas.
Este disco posee cosas que me cautivaron al extremo, pequeñas genialidades totalmente apreciables. Para empezar, hay un maestro de ceremonias. ¿Qué es eso? No sé. Lo único que puedo decir es que el maestro de ceremonias fue Viv Stanshall y lo único que hace en todo el trabajo es presentar, nombrar o mencionar -o lo que sea- todos los instrumentos al final del lado A –creo-. Es rarísimo, muchos se preguntaran… “¡¡¿¿Que car$%&o??!! Aún así me parece genial, no se puede escuchar eso en ningún otro disco.
También hay ausencia de voces (a excepción del hombre de las cavernas, a continuación una explicación detallada) a lo largo de los casi 49 minutos de duración del álbum.
El hombre de las cavernas humm…si, es algo también rarísimo en TB. Una vez, unos tipos por ahí encontraron un cráneo humano con mandíbula de simio o algo así pero finalmente terminó siendo una farsa. Lo que sea, la cuestión es que Oldfield flasheó al hombre de las cavernas y lo incluyó en su disco. Compuso esta parte pensando o intentando plasmar aquello que se imaginaba al pensar en dicha cosa encontrada. Nuestro amigo cavernícola se deja escuchar en el lado B diciendo incoherencias creo como ¡¡ASDJFHSJDK!! (si dice algo coherente, perdón, nunca le preste atención). Pero aún así es el momento más culminante del disco, en mi opinión.
En cuanto a la tapa del álbum, fue diseñada por Mr. Trevor Key. Se basa en una especie de collage de fotos. Vemos cielo, mar, olas rompiendo y el gran sello/símbolo de Oldfield, la campana tubular doblada. La campanita tiene su historia: El lado A cierra con violentos sonidos de campanas tubulares. El Sr. Oldfield en lugar de tocarlas con martillos de madera lo hizo con martillos de hierro y después de haber tomado carrera por todo el estudio… se imaginaran como quedaron las campanas. Ese fue el surgimiento de la portada del disco y también de la actual discográfica de Mike.
Como prometí, una lista detallada de todos los instrumentos que toca Oldfield en este álbum: Piano, glockenspiel, órgano farfisa, bajo, guitarra eléctrica, mandolina, percusión, guitarra acústica, flagedet, honky tonk, órgano Lowrey, timpani de concierto, órgano Hammond, guitarra española y….¡campanas tubulares!
Como verán no era ningún papa frita este muchacho, para aquel entonces, de 20 años (Harakiri de vuelta).
Para finalizar…tengo muchas cosas para decir sobre esta obra.
Tubular Bells hizo millonario y famoso al Sr. Oldfield.
Tubular Bells hace que te acuerdes de Regan vomitando verde y girando la cabeza 360º y te pongas paranoico. ¡Conozco gente que no puede escuchar el tema principal de noche! ¡JAJA!
Tubular Bells es uno de los mejores aportes a la música que escuché en mi vida.
Tubular Bells es una joyita del rock progresivo.
Tubular Bells es obligatorio en la colección de cualquier maniático de la música y especialmente del rock progresivo.

http://www.youtube.com/watch?v=xPEt5OTR6Vc

Cualquier cosa, llamen al Padre Karras.
Lucianne

Radio Gnome Trilogy Vol.3: You – Gong

Prog Rock/Psychedelic Rock/Space Rock/Jazz Fusion
1974

Con ustedes, uno de los mejores discos que escuché en mi vida: You. Empecemos desde el principio. Gong.
Gong fue una banda franco-inglesa de rock progresivo (también consideraron su música como propia del género psicodélico con toques de jazz fusionado) formada en 1967. El músico más relevante de la banda fue David Allen. La banda continúa aún en actividad.
Luego de lanzar cuatro discos, aparece una trilogía única: Radio Gnome Trilogy. Ésta se basa en tres discos: The Flying Teapot, Angel’s Egg y You (el disco en cuestión). Esta seguidilla de álbumes tiene un tema en particular que es la “mitología”. Allen afirma que la historia nace cuando tuvo una visión en 1966, donde vio su futuro revelarse ante sus ojos.
Podría explicar como es la historia pero la verdad sería desviarse mucho y estoy resfriada y no me da el cerebro para pensar y ponerme a redactar bien. (JAJAJ).
Emmm enfoquémonos en You. En mi humilde opinión, You es EL trabajo de Gong a lo largo de toda su carrera porque es una unidad, en el sentido de que todos los músicos trabajan juntos y funcionan realmente bien.
El álbum abre con “Thoughts For Naught”, sigue con “A.P.H.P.’s Advice”, luego tenemos “Magik Mother Invocation”, “Master Builder”, “A Sprinkling Of Clouds”, “Perfect Mystery”, seguimos con “The Isle Of Everywhere” y culmina con “You Never Blow Your Trip Forever”. Los highlights del disco son sin duda alguna “Master Builder” y “The Isle Of Everywhere” (En homenaje a ese tema el nombre de este humilde blog). Lo que más me cautiva de You es, sin duda alguna, como todos los temas están delicadamente unidos uno con otro. Take “Magik Mother Invocation” y “Master Builder” for instance… están realmente unidos y conectados pero se puede escuchar con exactitud donde empieza uno y donde termina otro, es simplemente genial.
Cualquiera que no haya escuchado Gong debería escuchar You para saber como suena, porque creo que es el disco más fiel a su estilo. Como dije antes, una mezcla perfecta de jazz y space rock… increíble, un disco de la hostia.
A must-have.

Umbrellas,

Lucianne

Voices Of The Dark Side - The Dark Side Of The Moon A Capella

Nosecomoclasificarlo – 2005

Wow. Este álbum me lo pasó mi amigo Manteca hace un tiempo. Lo escuché un par de veces y dije “uh si, que masa, que loco” pero lo dejé ahí. Hoy, buscando en mi amigo “Yutú” un par de videos de la película “El Mago De Oz”, encontré un tema de este disco. Abrí el Itunes y lo busqué, y si, lo tenía. Lo escuche de vuelta, tirada en el sillón y la respuesta fue: QUE LOCURA.
The Dark Side Of The Moon A Capella, como lo dice su nombre, es un disco tributo a Pink Floyd, pero en lugar de escuchar instrumentos, se escuchan pura y exclusivamente voces. ¡Voces que recrean todos los instrumentos y por la hostia que les sale bien!
El álbum fue lanzado en 2005 por el grupo Voices Of The Dark Side, formado por nada más que… 8 cantantes. Uno escucha el disco y es TAN completo que parecen una tropa, pero no, después me enteré que eran solo 8 (rimas en otro momento, por favor).
Este trabajo fue grabado tal cual el original (HQ) ya que los temas están enganchados uno con el otro y algo destacable es que todas las voces están grabadas en tiempo real, es decir, los arreglos están hechos de tal manera que todo suena tal cual el trabajo de Floyd. I mean, si ponen el original y después este otro van a ver que todo coincide, van al mismo tiempo, entran las voces al mismo tiempo, los solos son idénticos, etc.
Como era de esperarse, The Dark Side Of The Moon A Capella le significó a Voices Of The Dark Side una nominación para los premios Contemporary A Cappella Recording Awards (CARAs), en el 2006, por el mejor álbum de rock a capella.
Sarasa sarasa, consiganlón, escuchenlón, disfrutenlón, Alain Delón.

In need of icebergs, but still in harmony and sort of "thedarksideofthemoonised"

Lucianne

Eloy – Ocean

Rock psicodélico/ Space Rock / Rock Progresivo – 1977

Buenas noches damas y caballeros, aquí Lucianne, en una nueva entrega de The Isle Of Everywhere, por Canal eemm bueno, no importa.
Hoy les traigo el disco “Ocean” de la banda Eloy. Este grupo se formó en 1969 gracias al señor Frank Bornemann, alemán, claro.
Eloy lanzó discos anteriores como el homónimo Eloy, Power And The Passion, Dawn, entre otros, pero Ocean marcó la diferencia. En este disco, el grupo, en mi humilde opinión, dio todo de sí. Sin duda alguna, si tuviese que elegir un disco de Eloy, sería este.
Para empezar con el álbum, hay que decir que es un disco conceptual que se basa en el mito de la ciudad de Atlantis, desde su creación hasta el desarrollo de la misma y finalmente su destrucción, como también la de los dioses.
El disco abre con “Poseidon’s Creation” un tema hecho a base de batería, sintetizador y una guitarra con reminiscencias “Pinkfloydeanas” (de discos como Obscured By Clouds o Meddle). Tiene un esquema progresivo bastante marcado ya que los cambios de ritmos –entre otros factores- son constantes.
Sigue “Incarnation Of The Logos”, un tema que particularmente me gusta mucho. Acá el Sr. Bornemann nos cuenta como fue que nació Atlantis. Es un tema mucho más suave y sutil que el primero con bastante sintetizador. El pasaje del primer tema al segundo crea una atmósfera misteriosa, enigmática, enfatizada –como dije antes- por el sintetizador, la letra y el dialogo que van contando como fue que se originó Atlantis. Luego de que uno de los músicos pronuncia la frase “Primary procreation is accomplished” (Preocreación primaria cumplida) reiteradamente, todo va tomando mas forma, ritmo y velocidad. Siguen los solos de sintetizador.
Una vez culminado “Incarnation Of The Logos”, llega “Decay Of The Logos” que hace referencia a la época de mala fortuna que atravesó la ciudad. Arranca de manera tranquila aunque a medida que el tema va desarrollándose, se hace mas violento. Y eso es lo que se busca, agresividad y violencia en sonido como sinónimos de guerra, hambre, corrupción.
El disco cierra con “Atlantis’ Agony At June 5th-8498, 13 P.M. Gregorian Earthtime”. Particularmente no me desagrada este último tema, porque en mi caso entendí porque estaba hecho de esta manera, pero… pero, pero… hay quienes no pueden terminar de escuchar el disco. Es odiosa esta parte, if you wanna know the truth. Empieza con una narración insoportable (en un principio) que relata como fue que Atlantis fue destruída por los dioses. Como si fuera poco, hay que aguantarse el sonido tedioso y constante de sintetizadores y órganos. Y como si poco fuera poco, en el medio del desarrollo las narraciones siguen y siguen y siguen y siguen hasta el punto que pensás “deseo ser Atlantis, Dioses, mátenme”. Obviamente esto va a pasar si es la primera vez que se escucha el disco, pero sin embargo si uno presta atención al tema que abarca el disco seguramente entenderá porque el disco cierra así y no de otra manera y hasta seguro termina apreciando y entendiéndolo.
En cuanto a la tapa podemos decir que está conformada por una obra pictórica del Sr. Pintor Wojtek Siudmak, titulada “La Tempestad” (Basado en la obra de Shakespeare).
“Ocean” fue un disco totalmente rechazado en Alemania ya que era diferente a los discos de Krautrock que se escuchaban por aquellos pagos germanos en 1977. Sin embargo, este trabajo fue realmente elogiado en Estados Unidos.
Yo creo que este disco es excelente para todos aquellos que quieren chusmear algunas cosas de prog rock. Esta altamente influenciado por los discos de Pink Floyd –como ya dijimos- pero aún así hay ciertas cosas que deberían haber estado un poco más pulidas.
Aún así considero “Ocean” como el mejor trabajo de Eloy, ya que podemos ver un trabajo fuertemente grupal. Lo que más rescato es esa atmósfera un tanto apocalíptica que genera al escucharlo. Recomendable.

Some links to enjoy:
Poseidon’s Creation Part I:
http://www.youtube.com/watch?v=xytcCjPoHLQ
Poseidon’s Creation Part II: http://www.youtube.com/watch?v=EQPdHmCMvKw&feature=related
Incarnation Of The Logos:
http://www.youtube.com/watch?v=k3kvk5U6_sA&feature=related


Lucianne

Jethro Tull - Aqualung

Prog Rock – 1971

Señores y señoras, con ustedes Aqualung de Jethro Tull. Un disco especial. Antes de explicar el por qué de lo antes mencionado, una pequeña reseña histórica.
Como muchos sabemos, Jethro Tull es una banda de origen inglés liderada por el flautista y cantante Ian Anderson. El grupo se forma en 1968 y es uno de los exponentes del rock progresivo. Sin embargo, se afirma que Jethro Tull experimentó una serie de etapas siendo estas: los origenes (1962-1968), el desarrollo del estilo (1969-1971) hasta que llegan a la que más me interesa personalmente, la etapa de rock progresivo (1972-1976). Luego incursionaron en otras ramas del rock como el hard rock y el rock eléctrico. Aún así, la banda supo mantener siempre su sonido folk tan característico.
Ahora pasemos a lo nuestro. Aqualung. Un disco de 1971 un tanto controversial en todos los aspectos. Vamos por partes. Para empezar voy a plantear la siguiente pregunta: Aqualung… ¿Rock progresivo? Para muchos esa pregunta es toda una cuestión. En mi opinión, yo al disco de progresivo no le encuentro absolutamente nada. Yo creo que tiene un toque más folk o hard o una fusión de ambos. Aún así, pienso que Aqualung es el disparador que le abrió las puertas a Jethro Tull y a su disco Thick As A Brick (el sucesor del disco en cuestión) al rock progresivo en 1972.
A pesar de no presentar un esquema musical tan progresivo, el disco es hermoso y no hay algo “malo” por así decirlo. Creo que incluye temas buenos pero hasta ahí, ya que los discos que le siguen a Aqualung tienen temas mucho mejores. Lo que es muy bueno es que es un trabajo realmente digerible… lo ponés, lo escuchás de corrido, se termina, lo guardas, that’s it. Es totalmente escuchable ya que no es para nada complejo como algunas obras del prog rock. Ian Anderson dice en una entrevista (que se incluye como bonus track en la edición especial por el 25º aniversario) que Aqualung no es gran cosa y tiene razón, pero simplemente la banda necesitaba un álbum como este.
Otra cotroversia es: ¿Es Aqualung un álbum conceptual? Y eso es como preguntar “¿Por qué Sibarita es taaaaan rica?”: nadie lo sabe, excepto el genio que inventó la receta. Acá ocurre lo mismo, hay quienes afirman que sí y hay quienes afirman que no, como ser el mismo Ian Anderson (entonces queda más que claro porque Sibarita es taaan rica). La confusión se da ya que el disco presenta como una separación de temas, de topics. Por un lado tenemos canciones como Aqualung (la historia de un vagabundo –el de la tapa del disco- de nombre Aqualung), Cross-Eyed Mary (Mary la bizca, una canción sobre una chica que ejerce la prostitución y es todavía chiquita), Cheap-Day Return (tema dedicado al viejo de Anderson que estaba muy enfermo), Mother Goose, Wond’ring Aloud y culmina con After Me. Todas estas canciones son una clara crítica a la sociedad inglesa de la época. Por otro lado encontramos canciones como My God (una canción casi tan importante como Aqualung), Hymn 43 (tema que particularmente me gusta mucho), Slipstream, Locomotive Breath (Canción que en España fue sustituída por otra ya que el gobierno franquista censuró no solo la canción sino el disco entero –en lugar de salir a la venta en 1971 salió en 1976 y todo toqueteado-), Wind Up y Lick Your Fingers Clean.
Esto está pensado y llevado al vinilo de la siguiente manera: El lado A se titulaba Aqualung y hace referencia –como ya dije- a la decadente sociedad inglesa y cuenta con personajes como mendigos, prostitutas y marginados. El lado B llevaba el nombre de “My God” (“Mi Dios”, para los hispanoparlantes) y su función es cuestionar a Dios y por ende se mete con la institucionalización de la religión… cosa que cayó bastante mal (y a mí demasiado bien).
La edición que se lanzó por el 25º aniversario, trae de yapa temas como Song For Jeffrey (temón), Fat Man y Boureé (la famosa pieza de Bach con un arreglo muy jazz de Anderson) y también incluye una entrevista a Ian Anderson (Sí, ya se, ya lo dije).
Ya de por sí la tapa nos dice todo. El mendigo Aqualung…amo esa tapa. Ese pordiosero no es más que Ian Anderson, quien personalmente afirma que es una de las tapas que menos le gusta.
Anyway, es un disco que para mí vale la pena, más allá de los “defectos” antes mencionados (¿es prog o no es prog?, los temas son buenos hasta ahí, etc, etc). Considero que Aqualung es un disco que hay que tener ya que se disfruta mucho. Personalmente (y como es de esperarse de mí) me encantan las letras, me fascinan los temas profundos que tocan (como la sociología y la religión) y los simbolismos.
Es un trabajo exprimible al mango, digerible. Es digno de disfrutar no solo por todo lo que dijimos antes, sino también por la flauta de Ian Anderson y el virtuosismo en la guitarra de Martin Barre. Ian, un grande, tiene mucha técnica y le pone mucha onda a lo que hace. Pero ¿qué importa lo que yo pueda decir de Anderson? Es Ian Anderson. Estamos hablando de Jethro Tull.
Compren Aqualung, o al menos escúchenlo, porque sino, hay tabla.

Lucianne

Some links to enjoy:
Aqualung: http://www.youtube.com/watch?v=QqZmtq5LhFo
Locomotive Breath: http://www.youtube.com/watch?v=gdz_G1VGJ4c&feature=related
My God: http://www.youtube.com/watch?v=dh0woT7NkKI
Boureé: http://www.youtube.com/watch?v=iWJgJkVL0xM (miren lo pibe que era el Ian en este video)

Lee Michaels

Blues/ Rock Blues

El 24 de Noviembre de 1945 en Los Angeles, California, nacía el gran Lee Michaels. Sí, aquel que lanzó el temón "You know what I mean". Estaba pensando como es posible que no haya sido TAN conocido como lo fue Jimmy Smith. Di vueltas y vueltas por lugares de Buenos Aires tratando de encontrar aunque sea un "The Best Of" (discos recopilados que NO me caen bien porque siempre, SIEMPRE dejan temas que son joyas de lado) y volví a mi casa con las manos completamente vacias. ¡Dios!

Lee es uno de los músicos del género blues, blues-rock (algunos lo incluyen en el rock clásico) que más me gusta. Para la época en la que empezó su carrera, era un músico inusual ya que no era común que un solista tocara un Hammond en lugar de una guitarra. Tocó con tipos grosos como Jimi Hendrix, entre otros.

Este es un músico que me da pena la verdad, el tipo era zarpado músico, tenía una increíble voz, su música estaba hecha solo con su Hammond y con una batería (la de Sparky). Tocó con Jimi, firmó contratos con Columbia. Pero no tuvo éxito ya que su trabajo no fue lo suficientemente valorado. Como si fuese poco, el pobre Lee se quedó prácticamente sordo.

Y como frutilla del postre, los discos no se consiguen. Maldito marketing.

Acá un tema, el que más me gusta: Stormy Monday (No es de Lee, pero es un cover ex-ce-len-te)

Gracias Uncle Kelly, fuente de conocimiento ;)

(Don't you wish your uncle was as cool as mine??)

P.S.: Desearía que Papa Noel, Santa Claus, existiera, porque le pediría que me traiga un iceberg enorme desde el Polo Norte y lo metería en la pelopincho. Maldito calor, it won't leave me alone ¬¬

Icebergs,

Lucianne

Takk - Sigúr Ros

Post Rock – 2005

Bueno, señoras y señores, con ustedes Takk, el disco más optimista de la banda islandesa Sigúr Ros. Es un trabajo más que destacable de la banda ya que éste representa un antes y un después en la misma. Los álbumes anteriores tienden a ser medio bajón, pero con la llegada de Takk se rompe un paradigma musical y nace uno nuevo. Takk significa “gracias” en el idioma islandés y es el cuarto álbum del grupo.
Durante los 65:30 minutos de duración del disco nos encontramos con diferentes matices, diferentes sensaciones.
Los que me conocen bien saben que me gusta analizar tema por tema, pero esta vez, pequeños saltamontes, se me complica un poco. El disco tiene, DEBE, ser escuchado entero para poder disfrutarlo. Los temas parecen (parecen no, están) entrelazados entre sí y sería un verdadero crimen saltarlos o pasarlos de largo. Prohibido el uso de la tecla “Next”. Lo que sí puedo decir es que el disco abre creando una atmosfera muy… a ver como lo explico… desde que empieza hasta que termina el disco se puede experimentar una sensación de “el disco y yo”… Es un trabajo un tanto personal, es un disco para escuchar solo tirado en el sillón o en la cama, sin absolutamente nada que hacer. Se crea como una atmósfera especial, se genera una especie de encuentro íntimo con la música. Los temas Takk y Glósóli son piezas demasiado tranquilas con el fin de llegar a un determinado punto: Hoppipolla. Es el tercer tema y me atraviesa el corazón a la mitad. Me mueve todo adentro. Seguramente es un tema que conocen, fue la cortina musical de muchas publicidades. Parece ser una especie de explosión. Escuchamos instrumentos de cuerda y arco, teclados, un coro, instrumentos de viento, voces realmente cálidas de fondo y la voz principal parece estar realmente cargada de fuerza. Es un tema que verdaderamente me ha hecho emocionar por la perfección. El disco sigue con temas como Sé Lest, entre otros, que transmiten calma, son un gran descanso después de tremendo descargo adrenalínico causado por Hoppipolla. Son como una especie de bridge que cumplen la misma función que los dos primeros: son el canal que conducen al tema Milanó. Esta canción arranca de una manera muy sutil, casi parece ser una melodía frágil, da la sensación que la música es un cristal y puede romperse en cualquier momento. La melodía inicial podría asociarse con colores claros, memorias dulces. El piano incita a la cantante a mostrarnos lo que sabe hacer. La cantante nos deleita con una voz suave… realmente muy suave al principio. Es tan placentera y agradable que nos induce al sueño incluso. Me recuerda mucho a una canción de cuna. De golpe, todo parece cambiar, dicha mujer nos deja boquiabiertos con su gran y potente caudal de voz. Muestra un amplio registro, ya que pasa de cantar suave y dulcemente –como ya dije- a romperte en pedacitos y a estremecerte en el estribillo con un caudal mucho más grave y potente. El estilo, en lo personal, me recuerda mucho al de Bjork. Dios… hermoso tema, algún día me gustaría verlo incluido en una película o algo así.
La canción que le sigue -Gong- hace que el disco se ponga un poco más “pum para arriba”. Luego le siguen tres canciones más. Las tres últimas. Están donde deben estar. Luego de escuchar Milanó y Gong, estas tres joyas sutiles nos adentran en nuestros pensamientos o lo que sea y nos hace volar, nos relaja, nos duerme. Hacen que el disco cierre como corresponde.
Es increíble como Takk significó un cambio para Sigúr Ros pero aún así el disco tiene ciertos toques de nostalgia o tristeza…
Cualquier persona que ame experimentar con la música, que ame volar con ella, no puede dejar de escuchar Takk. Recuerden que la música es la única droga que no causa muerte por sobredosis.

Peace
Lucianne

Some links to enjoy:

Hoppipolla:

http://www.youtube.com/watch?v=pffE2UBvCTU
Milanó:
http://www.youtube.com/watch?v=Z8PIGWF-Tj4

Hallogallo - Neu!

Krautrock - 1972

Uno de los discos del genero Kraut que más me gusta. Neu!, este grupo que se forma en 1971, lanza en 1972 su disco homónino Neu! En esta banda encontramos a dos ex integrantes del gran Kraftwerk: Klaus Dinger y y Michael Rother. Al igual que Kraftwerk, Neu! se forma en Düsseldorf. El tema que les dejo a continuación se llama Hallogallo (uno de los temas más relevantes del álbum, de estilo "motorik" o "apache beat" como lo llamaba Dinger) que fue difundido por el DJ John Peel.
Globalmente, podemos decir que es un grupo con una base interesante: Por un lado tenemos a Dinger que era considerado medio "agresivo" (en cuanto personalidad musical, no perse) y estaba fuertemente influenciado por las ideas revolucionarias de la contracultura. Rother en cambio prefería temas mucho más melódicos, armónicos y musicales "propiamente dicho".
Este disco Neu! (le siguen Neu!2, Neu!3, etc, etc) le valió a Neu! 30.000 copias vendidas en Alemania.
La idea es que se vea el video más que leer la nota. El video será para muchos malísimo, porque no se ve nada más que un disco dando vueltas. Es más bien para escuchar y no para ver. Tuve la opción de elegir otros videos, pero me gustó este. Me gustó porque es mi sueño -si, ya sé, diganme tonta si quieren- escuchar toda mi música en disco de vinilo. Que vuelva el vinilo que lo parió!! Me encantó ver como giraba el disco de Neu! en el tocadisco. JA!

Lucianne

Museo Rosenbach – Zarathustra

Rock Progresivo – 1973

For Chrissake. Este disco si que me dejó sin palabras la primera vez que lo escuché. Es tan perfecto, tan estrictamente musical… tan tano.
No solo me captura la música sino todo lo que el disco simboliza. Ya con solo ver el nombre sabemos bien de que estamos hablando, o sabemos que tema puede llegar a tratar el disco.
Si. Lo podemos comprobar matemáticamente:

Museo Rosenbach = Música de la hostia.
Friedrich Nietzsche = Así habló Zarathustra
Planteamos la siguiente ecuación:
Museo Rosenbach + Friedrich Nietzsche = Música de la hostia + Así habló Zarathustra
Todo esto es igual a:
Música de la hostia + Así habló Zarathustra = Zarathustra, por Museo Rosenbach, 1973.

Empecemos por el principio. First things first.
Museo Rosenbach es una banda de rock progresivo italiano, obviamente de la década de los ’70. Su único disco fue el disco en cuestión, luego aparecieron otros grabados en vivo pero que son un poco mediocres en cuanto a la calidad de sonido. Zarathustra se considera uno de LOS discos del rock progresivo, sería algo así como las joyas de la abuela.
Bueno a ver… que decir del disco…es que es TAN bueno que no se por donde empezar…
Los músicos hacen un amplio uso del melotrón, piano y teclados, que le dan un toque un tanto orquestal o sinfónico. Incluye un increíble trabajo vocal del cantante Stefano Galifi.
El álbum es una suite muy sinfónica con un ritmo en constante cambio. Presenta grandes toques de jazz y rock progresivo. Me recuerda en ciertas cosas al disco homónimo Emerson, Lake & Palmer, ya que en todas los temas de ese trabajo no hay un gran trabajo grupal, sino que más bien en cada canción se puede apreciar solos de cada instrumento de manera virtuosa. Ocurre algo similar en Zarathustra.
El tema a tratar encuentra su origen en el libro Así habló Zarathustra, del filosofo alemán Friedrich Nietzsche. No es un disco que le pone música al texto tal cual se lee en el libro, sino que se presenta el texto masticado por los músicos. Tampoco tratan TODO el libro porque eso sería sinceramente denso. El libro particularmente me encantó.
Lo que ellos hicieron fue tomar las partes o los temas más relevantes presentes en el texto y buscar una música que fuese con ellos.
El disco abre con Zarathustra, una pieza que supera los 20 minutos y que se divide en cinco subpartes: L’Ultimo Uomo, Il Re Di Ieri, Aldilà del Bene e del Male, Superuomo, Il Tempo Delle Clessidre. Sigue con Degli Uomini, Della Natura y termina con Dell'eterno Ritorno.
El uso del melotrón y los teclados como decía antes, enfatizan los momentos más sobresalientes del texto nietzscheano, como ser la parte del Superuomo (Superhombre). La teoría del Fede Nietzsche en Also Sprach Zarahtustra (y si…hay que hacer uso de los idiomas que uno sabe) se basa en que el hombre tiene o intenta volver a un elemento natural siempre presente en el. Trata de volver a ser espontaneo, natural…busca un “estado de naturaleza” si quieren decirle así. En pocas palabras, Nietzsche opina que el hombre busca volver a la inocencia de la niñez. Esto último se marca mucho en el disco con las melodías prácticamente dramáticas pero puras del melotrón. La voz del cantante, con esa polenta bien tana, también acentúa las ideas más fuertes.
Definitivamente un discazo. Un disco de la hostia. Un disco que hay que tener si o si en casa. Un disco que no puede faltar en la colección de aquellos amantes del prog. ¡LLAMEEEEE YA!

Some Links:

http://www.youtube.com/watch?v=br0A2Rtq3BE
http://www.youtube.com/watch?v=RuNqirjEvs8&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=8ffrgsVLfBs&feature=related

Peace,

Lucianne

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon

Rock Progresivo – 1973

Es muy difícil poder decir “Tal disco de Floyd es el mejor”. Floyd ha sido una de las mejores bandas de todos los tiempos y eso es, sin duda alguna, indiscutible.
Discos del grupo como “Animals”, “Atom Heart Mother”, “Wish You Were Here” o “Pulse” están entre mis predilectos, pero no me llenan tanto como “The Wall” o “The Dark Side Of The Moon”.
Acá es donde se abre el debate. “The Wall es un trabajo mediocre”. “Hay discos MUCHO mejores que The Wall”. Pero déjenme decirles, antes de que pronuncien palabra, que en mi opinión, Floyd –y por ende sus trabajos-, es una banda que se presta para la identificación. Soy muy conciente de que tiene discos que superan ampliamente a “The Wall”, pero tal vez el significado que éste tiene para mi no lo tiene para ustedes.
Volviendo al tema principal que nos incumbe. The Dark Side Of The Moon. Discazo. Uno de mis favoritos. Al principio no me gustaba o no me caía simpático (si, trato a los discos como si fuesen personas). Luego de un tiempo (años) me hizo una especie de clic en la cabeza y dije: “Uh. Tanto tiempo diciendo que no me gustaba”.
El Lado Oscuro De La Luna es un disco conceptual de esta zarpada banda que fue Pink Floyd (que introducción pedorra e innecesaria…) y que se lanzó a la venta en 1973. Yo me atrevería a decir que es un disco bastante diferente al resto de los trabajos de Floyd, le falta esos pasajes psicodélicos interminables, característicos de la banda.
Fue uno de los discos más vendidos en el mercado musical a nivel mundial y fue grabado con altas tecnologías en los estudios Abbey Road. La temática que incluye se relaciona con toda esa cosa o miedo que experimentamos los humanos alguna vez a medida que vamos creciendo y poniéndonos viejos y todas las cosas que eso trae como consecuencia.
Algo que me gusta recalcar siempre es la intervención de Alan Parsons en la producción del disco, ya que para mí fue un increíble músico (Recomendación: Escuchen el disco de Parsons “Tales Of Mistery And Imagination, Edgar Alan Poe”).
Todo el disco estuvo inspirado y basado en la enfermedad mental del miembro de Floyd, Syd Barrett.
El disco presenta letras (sí, sí, yo siempre con lo mismo) altamente filosóficas y profundas. Cada uno de los nueve temas del álbum representa diferentes estados de la vida del hombre. El primero, “Speak To Me/Breathe” (Hablame/Respira) representa la exploración de la naturaleza humana, donde siempre está el miedo a la locura. “On The Run” (En La Corrida) hace relación al ritmo de vida agotador que llevamos a cabo todos los días. “Time” (Tiempo) es sin duda alguna el correr del tiempo hecho canción. “The Great Gig In The Sky” (La Gran Actuación En El Cielo): ALTO TEMA, encarado por Clare Torry, que con su voz despampanante hace de este tema una de esas canciones que te hace hacer pipi en los pantalones. “Money” (Dinero), ¿uno de los himnos de Pink Floyd, tal vez? Trata sobre el dominio que ejerce el dinero en el mundo y en las personas. “Us And Them” (Nosotros Y Ellos) muestra que tan poco incorporado tenemos el término propio de la antropología (incorporado en dicha disciplina por el etnólogo Franz Boas) “relativismo cultural”. “Brain Damage” (Daño Cerebral) está directamente relacionado con la enfermedad mental de Barrett. El disco cierra finalmente con el tema “Eclipse” que trata el tema de la alteridad.

Una curiosidad: La tapa. La tapa de The Dark Side tiene TANTO significado…
Representa sin duda alguna la realidad. La luz blanca, la realidad misma, la “realidad real”, la única la verdadera, atraviesa el prisma y en consecuencia la vemos luego en colores, distorsionada y dispersa.
Esto ocurre porque los humanos somos incapaces de poder ver la realidad tal y como es, no estamos lo suficientemente listos para ver la luz blanca.
El prisma representa la locura y es el “costo de oportunidad” de la realidad. Locura = Conocer la realidad, ver la luz blanca.
Otra interpretación es la vida y la muerte, por eso la célebre frase “I’ll see you on the dark side of the moon” (Te veré en el lado oscuro de la luna). Representa un choque constante de antagonismos –claros a lo largo del disco- como claridad-oscuridad, ellos-nosotros, etc.
Una de las tantas interpretaciones que leí también decía que el color negro del fondo aparece como la negación absoluta del color y vuelve a aparecer el jueguito antagónico con la presencia del prisma distorsionando la luz blanca a luz de colores. El lado oscuro y el lado claro. El día y la noche.
En cuanto al prisma, una pirámide. Símbolo de divinidad y energía.

En pocas palabras. Discazo.

Es tarde. Casi 2.00 AM. Yo me voy a la cama. ¿¿Nos vemos en el lado oscuro de la luna??

Some Links To Enjoy:
Pink Floyd - Speak To Me/Breathe:
http://www.youtube.com/watch?v=y1fNlMpTD3k&feature=PlayList&p=A5D807D96A64E8CF&index=4

Pink Floyd - The Great Gig In The Sky:
http://www.youtube.com/watch?v=ZAydj4OJnwQ&feature=related

Pink Floyd - Money:
http://www.youtube.com/watch?v=8_anbEJsr6s


Peace,
Lucianne

Emerson, Lake & Palmer: Emerson, Lake & Palmer

Emerson, Lake & Palmer: Emerson, Lake & Palmer
Rock Progresivo – 1970

Para empezar, una pequeña introducción biográfica-histórica. Emerson, Lake & Palmer (ELP) surgió en 1970 en Inglaterra. Tres grandes músicos (debería escribir “músicos” con mayúscula porque esos sí que eran músicos) fueron los padres fundadores de este supermegaarchigrupo (supergrupo, bueno): Keith Emerson en teclados, Greg Lake en voz, guitarra y bajo y Carl Palmer en batería y percusión.
Grabaron varios discos a lo largo de su carrera como ser Tarkus, Pictures At An Exhibition, Brain Salad Surgery, entre otros.
Hoy elegí escribir sobre su primer disco, aquel que los llevó a su consagración. Sinceramente creo que el disco no brilla por su grandeza, porque los que le siguieron a este son musicalmente mucho mejores, pero inevitablemente siento cariño por este trabajo. Sin embargo, se dice que “Emerson, Lake & Palmer” fue uno de los mejores álbumes de la banda inglesa.
¿Qué es lo que tiene este disco? Bueno, veamos. Una particularidad es que no hay un gran trabajo grupal… es decir, todos los temas excepto uno o dos, se basan en solos prácticamente virtuosos –lo que es más que excelente-. Es decir, no se les pueden atribuir TODOS los temas a los tres músicos –a excepción del primero- porque en mi opinión todos se lucen por separado.
Los genios de ELP nos regalan en este disco tan solo seis temas.
Abrimos con “The Barbarian”, un tema basado en una composición del 1900 para piano del gran Bella Bartok. La verdad es increíble. Es el tema que le hago escuchar a la gente neófita que te dice “No se puede mezclar el rock con la música clásica”. Bueno gente neófita, escuchen “The Barbarian” de ELP y después me cuentan. Nos encontramos con el zarpado sintetizador Moog y el piano Stainway de Emerson y no se si no está el Hammond (baba, yo quiero uno) dando vueltas por alguna parte de la pieza.
“Take A Pebble” es el segundo tema del álbum escrito por Lake. 12 minutos de deleite a cargo de Mr. Emerson en piano, Lake en guitarra acústica y Palmer tira un par de cosas medio jazzisticas. El tema empieza siendo una balada y rompiéndote el cráneo y volándote los sesos con esos aplausos que aparecen ahí de la nada. Bastante, bastante, bastante experimental podría decirse.
A continuación encontramos “Knife Edge”, otro tema dedicado a esa gente neófita que nombré hace un rato. Knife Edge es una pieza de 5:11 minutos basada en una obra del compositor clásico checo Leoš Janácek. Acá no solo vemos de vuelta el virtuosismo de Emerson sino también la destreza presente en Palmer al momento de tocar jazz o mejor dicho, bases de jazz. De golpe, pum. Otro golpe a la gente neófita. Emerson corta con Janácek y le cabida a la Allemande de la Suite Francesa en Re Menor, BWV 812, de Johann Sebastian Bach. Chupáte esta mandarina.
En “The Three Fates”, la cuarta canción, oímos más y más y más y más talento “emersoneano” por, prácticamente, 8 minutos. Antagónicamente, en “Tank”, deja de ser protagonista Mr. Emerson y toda la atención pasa a Mr. Palmer con su solo de batería de la San Putanga (como diría mi crazy uncle Kel).
El cierre del disco se da con “Lucky Man”. Si…no fueron ningunos idiotas los ingleses.
Fue el single del álbum y en un principio se creía que estaba ahí de puro relleno, pero que equivocados que estaban los que decían eso (o están, porque hay quienes lo siguen afirmando)…que equivocados…El tema fue compuesto por Lake con tan solo 12 años de edad (yo a los 12 solo podía tocar “Estrellita Estrellita”) y a pesar de todas los palos que le dieron a este tema (para mi, un temón) terminó siendo uno de los más comerciales y reconocidos no solo de ELP sino también del rock progresivo. Como en todos los temas de la banda, nos encontramos con el solo emersoneano…un solo que cobra vida a través de un sintetizador moog (ufa… ¡me gusta más el sonido del Hammond!)
Las letras puede decirse que están buenas, aunque considero que hay cosas mejores, pero anyway, no se puede todo en esta vida. Hay cosas en las letras que me gustaron por la manera en como están dichas, pero no terminan de convencerme, prefiero letras como las de Van Der Graaf, Genesis, Crimson, etc.

Have you walked on the stones of years? (¿Haz caminado en las piedras de los años?)

When you speak, is it you that hears? (Cuando hablás, ¿sos realmente vos?)

Are your ears bone? (¿Están tus oídos secos?)

You can't hear anything at all (No podés escuchar absolutamente nada)

Fíjense, yo lo recomiendo, es un lindo disco. Es un álbum para disfrutar en casa, tirado en el sofá mientras miramos el techo y hacemos nada o simplemente despegamos la mente un poquito del cuerpo. Es también (si, dale que dale con lo mismo, pero sinceramente me saca) para esa gente neófita que nombre antes para que vean como un género se desprende de otro y para que también vean como un genero puede relacionarse y desarrollarse sin defecto alguno con otros. Para los enfermos del prog (además de mi) es un “must have”, si te gusta el prog lo TENES que tener. Y para los que no entran en ninguno de estos grupos y les gusta escuchar cosas nuevas, adelante.

Some Links to enjoy:
ELP – Lucky Man: http://www.youtube.com/watch?v=Nm7-cysfE2c
ELP – The Barbarian: http://www.youtube.com/watch?v=cSegukNR8HY
ELP – Knife Edge: http://www.youtube.com/watch?v=-B3UrB_dex8&feature=related (miren el Hammond! Miren el Hammond!!!)

Peace, Lucianne

P.D: Butter, ahí tenés tu santo nombre del disco sin hipervínculo trompeta, así te quedás trompeta y todos trompeta :)

Premiata Forneria Marconi – Storia Di Un Minuto

Rock Progresivo – 1972

Bueno… por donde empezar…
First things first. Premiata Forneria Marconi (Pero díganme Premiata o PFM), LA banda de rock progresivo italiano por excelencia.
El disco que les presento se llama Storia Di Un Minuto y fue lanzado en 1972, alcanzando el éxito total en toda Europa.
Wow. Me pregunto porque siempre los primeros discos de todas las bandas que escucho son los que más me terminan gustando.
Storia Di Un Minuto es un álbum que presenta composiciones complejas y una estructura musical que sigue el patrón progresivo mezclando sutileza con excelencia.
Es un disco con una amplia gama de matices elaborados cuidadosamente. Si…los matices… No se porque tiendo a comparar este trabajo con una obra de arte plástico, o pictórico o como prefieran llamarlo. Da la sensación que Storia Di Un Minuto es un cuadro y que cada tema es una figura determinada que configura dicho cuadro. No se si me explico muy bien, pero para aclarar mejor mi punto voy a recurrir a la teoría gestáltica: El todo es la suma de las partes. Y si… así es este disco. El todo sería el cuadro y las partes serían los temas. Cada tema es un color diferente, un matiz diferente, un trazo diferente, una pincelada diferente. Los músicos decidieron jugar con siete colores que terminaron siendo canciones.
El disco abre con “Introduzione” que incluye también el tema “Impressioni Di Settembre”. Ambas piezas son bastante tranquilas, podríamos considerarlas baladas compuestas por flautas, melotrones, guitarras eléctricas y acusticas. Son dignas de escuchar no solo por el hecho de que es rock progresivo puro sino también porque que la presencia de la teoría musical (entiendase por teoría musical armonía y contrapunto) en dichas composiciones sobresale.
El tercer tema es sin duda alguna mi favorito (y creo que el de muchos también). “É Festa” es alegría, euforia, energía, polenta, y todas esas cosas típicas de los italianos (que me encantan) hecha música. Tiene un toque medio irlandés, celtón… es muy folk che…Hay mucho virtuosismo presente.
A continuación nos topamos con algo opuesto a “É Festa”. “Dove…Quando...” es un tema compuesto de dos partes. La primera parte es un viaje en el tiempo. Por momentos suena medio celta, por momentos suena medieval, por momentos suena barroco….En la segunda parte esto cambia y se mezcla todo lo anterior con algo más tipico del prog, o más jazzistico incluso. Juega un rol importante el piano (protagonista), los instrumentos de cuerdas (como me gusta ese violín) y los melotrones.
“La Carrozza Di Hans”. Sin palabras. La guitarra de se lleva todos los premios.
Cerramos con “Grazie Davvero”, un tema que te descoloca. Vos venís escuchando el disco de lo más pancho y de golpe pum. Te quedás escuchando como diciendo “oh what fresh hell is this?”….se lima en experimental en mi opinión…en mi opinión.
Una cosa para destacar –SI, SE QUE SIEMPRE DIGO LO MISMO- es el idioma. Todos los temas son en italiano y eso es algo exquisito, es digno de saborear. El hecho de que esté en italiano hace que el disco genere una atmosfera particular… parece que escuchas música propia del folklore italiano y te sentís en medio de alguna ciudad tana.
Para finalizar quiero destacar solo dos cosas más. Por un lado, PFM fue, como dije antes, LA banda de rock progresivo italiano por excelencia y gracias a ella aparecieron otras bandas zarpadas como Banco Del Mutuo Soccorso, entre otras. Por otro lado, este disco puede compararse con el Nursery Cryme de Genesis o el In The Court de King Crimson porque plantea un concepto musical similar y se mueve mas o menos en el mismo terreno que estas dos bandas: flautas, violines, etc.
Sin duda alguna este es un disco que cualquier amante empedernido (aquí la enferma crónica del prog numero uno) tiene que tener en su colección por su perfección estética-musical, conceptual y sentimental. No anduvieron con estupideces los tanos.

Para el deleite de los oídos y los ojos:
PFM – É Festa (Aunque en el video está en inglés la letra, pero es lo que hay gente): http://www.youtube.com/watch?v=esHEPt41Sjc

PFM - La Carrozza Di Hans: http://www.youtube.com/watch?v=A4qtITloLqY

PFM - Impressioni Di Settembre: http://www.youtube.com/watch?v=2T1oKGynRVs

Y de yapa este otro que es del 2002, es decir bastante actual y fijense como mantuvieron su sonido despues de tanto tiempo:

PFM - É Festa: http://www.youtube.com/watch?v=SNc8spdFZ5E&feature=related

Para la mia mama, se que vas a ver los videos, prestale atención a Impressioni Di Settembre, se que te va a gustar

Peace, Lucianne

Van Der Graaf Generator – Still Life

Rock Progresivo (también considerado Progresivo Ecléctico) – 1976

Si. Sin pensarlo dos veces puedo afirmar que este disco me hizo volar no solo por la música sino por las profundas letras de Peter Hammill. He tenido la oportunidad de escuchar el resto del material de VDGG y me di cuenta que si tuviese que elegir alguno de sus tantos trabajos, elegiría, sin duda alguna, Still Life. Esto no quiere decir que no haya otros álbumes que me gusten ¿eh? No. De ninguna manera. Godbluff o Pawn Hearts son dos que me han fascinado, pero a Still Life le encontré algo que al resto no. Me movió algo adentro. Sinceramente tuve que escucharlo un par de veces para decir “Wow, me encantó, it blew my mind”, pero la tercera vez me hizo como un clic en el cerebro y ahora puedo llamarlo “mi disco favorito de Van Der Graaf”.
El disco per se, es tranquilo, mucho más tranquilo que otros creo, pero sin embargo es el más emocional. Al menos eso creo. Hay determinadas frases en algunos temas que tienen un contenido…Ummm... ¿Cómo llamarlo? ¿Sentimental? Tal vez sea por eso que me encanta. Le doy mucha importancia a las letras. Acá tenemos la combinación perfecta. Excelentes letras y una música que se adapta correctamente a cada palabra de dichas canciones.
El álbum abre con Pilgrims. Hablando de carga emocional, dos momentos de la canción me llegan realmente al alma:

Sometimes you feel so far away, (muchas veces te sentís tan lejos)

distanced from all the action of the play, (distanciado de toda la acción)

unable to grasp significance, (incapaz de alcanzar el significado)

marking the plot with diffident dismay, (marcando el argumento con tímida consternación)

stranded at centre stage, (varado en el centro del escenario)

scrabbling through your diary for a lost page, (revolviendo entre las hojas de tu diario por una hoja perdida)

unsure of the dream (inseguro del sueño).

Look to the future day (mirá hacia el futuro)

for hope, some form of peace (por esperanza, alguna forma de paz)

within the growing storm. (dentro de la tormenta creciente)

I climb through the evening, (trepo en la noche)

alive and believing (vivo y creyendo)

in time we shall all know our goals (en tiempos en que todos conozcamos nuestras metas)

and so, finally, home; (y así, finalmente, en casa)

for now, all is secret (por ahora, todo es secreto)

Era necesario poner esos fragmentos. Son increíbles. El tema comienza con aires misteriosos encarnados en el sonido de un órgano y después el esquema progresivo evoluciona hasta estallar.
Sigue Still Life. Una estructura similar –dije similar- a Pilgrims, con una onda tenebrosa pero esta vez encabezada por la voz de Hammill.
Tercera canción: La Rossa. Podemos decir que es el tema más “pulenta” del disco y el que más me gusta. Hay partes de la letra que también me copan bastante, como ser:

I know you know (se que sabés)
That I am acting (que estoy actuando)
I can see it in your eyes (puedo verlo en tus ojos)

A continuación de La Rossa viene la antítesis de dicho tema: My Room (Waiting for Wonderland). Digo antítesis porque es un tema tranquilo que hace que vueles un ratito y te dejes llevar por aquella dulce melodía donde se destaca un instrumento de viento.
Final y justificadamente nos topamos con Childlike faith in childhood’s end. Una pieza a la que llamaríamos…emm ¿Cómo era?... épica (perdón, no puedo no incluir mis pensamientos en mis escritos) que es la típica pieza con el típico estilo de Van Der Graaf donde el esquema progresivo es impecable.

Personalmente creo que me gusta este disco no solo por toda la cháchara que dije recién del significado que encuentro en las letras sino también –recalco, perdón por ser monotemática- por la gran conexión que existe entre la estructura musical y la maravilla vocal de Hammill. Flor de discazo. Gran disco gran.

Some links:
Van Der Graaf Generator – La Rossa: http://www.youtube.com/watch?v=ndu96lClBIA
Van Der Graaf Generator – Theme One (este tema NO está en dicho álbum, pero me encanta y quería incluírlo): http://www.youtube.com/watch?v=WWcJ7WeAK78&feature=related

Lucianne

Frank Zappa – Hot Rats

Jazz/Rock/Cuasi-Progresivo - 1969

Si alguien me pidiera que le recomiende algún disco de Zappa para poder adentrarse en su mundo, sin duda alguna diría Hot Rats, o también (por que no y ya que estamos) The Grand Wazoo de 1972.
En mi opinión este disco es de Zappa el equivalente al Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd. No pienso dos veces al afirmar (obviamente hay quienes no están de acuerdo con esto) que Hot Rats marcó un antes y un después en la carrera del gran Zappa.
El hombre del bigote se despega del rock y esos aires de swing para adoptar un nuevo estilo: la fusión entre el jazz y el rock.
En este trabajo, Frank contó con la colaboración de sobresalientes músicos como ser el pionero del violín eléctrico Jean Luc Ponty y el músico multiuso (como diría un amigo, el “Procenex” del grupo) Ian Underwood.
El disco tiene seis temas. Cualquiera diría que es poco, o cualquiera esperaría un par más al menos. Pero no. Seis temas son suficientes y sobra. Son canciones largas pero que parecen cortas por lo llevaderas que son.
Hot Rats abre con LA pieza de Zappa, Peaches en Regalia. Mucha es la gente que considera este tema como EL tema del músico, como dije previamente. Es una pieza que fusiona los virtuosos solos de guitarra de Frank, con trompetas, piano entre otros. Dura 3:39 minutos…a veces uno desearía que no terminase, pero sin duda alguna si la hubiese extendido, el tema no sería Peaches in Regalia.
Después de tremendo tema sigue Willie The Pimp. GOD. Ahí escuchamos el violín de Sugar Cane Harris y la inconfundible voz de Captain Beefheart que juntos derivan en una suerte de rock medio blusero. En mi opinión ese es el tema que más me gusta pero que sea el que más me gusta no quiere decir que sea el mejor musicalmente. Considero al tema Son of Mr. Green Genes el mejor tema, musicalmente hablando, del disco. Sería como el highlight de Hot Rats. Tiene un toque a Peaches en Regalia.
Little Umbrellas. Yeah! El comienzo me recuerda a la Marcha Funebre de Chopin. Perdón. Debía decirlo. Tiene una melodía un tanto extraña al principio pero que varía a lo largo de los 3:04 minutos que dura la canción. Es buena.
And now… The Gumbo Variations. Casi 17 minutos de complejidad y destreza instrumental. Una perfección increíble. El saxo parece sacado de alguna de esas bandas de blues o lo que quieran de alguno de esos bares norteamericanos de aquellas épocas. Te vuela la cabeza. 17 minutos de éxtasis asegurados.
El disco cierra con el tema It Must Be A Camel, con el violinista prodigio Jean Luc Ponty. Canción lenta. Una lentitud que si o si le da un cierre al disco. Cuando escuche It Must Be A Camel pensé inmediatamente que Zappa habría querido darle un descanso a nuestras mentes luego del viaje que se pegaron a causa de los efectos de los otros temas.
Es un tema relajado que te hace aterrizar y apoyar los pies de vuelta en tierra firme.
El disco es totalmente instrumental a excepción de Willie The Pimp.
Este pedazo de discazo se merece TODOS los premios y es un disco del cual hay que disfrutar. Nada de ir en el tren escuchándolo por primera vez. Es para apreciar. Creo que esa fue la finalidad de Zappa. Además… Esto para el año 1969 era toda una innovación. Kelly tenía razón. Kelly dijo en el año 1969 que Zappa iba a ser un pionero, iba a ser alguien más que destacado en la música… y lo fue.
Luego de 40 años de su aparición, debo decir en mi humilde opinión que este es uno de los mejores trabajos de Frank Zappa lejos.
Todos aquellos que NO lo hayan escuchado al Frank, give him a try y háganlo a través de este álbum.

Posteo dedicado a mi papá Otto y a “el tío” Mac Nube, que hace 40 años, cuando ellos tenían la edad que yo tengo ahora, escuchaban ya esta joya del rock. En honor a ellos por haberme pasado toda su cultura a mi. Les estoy eternamente agradecida.

Some Links

Willie The Pimp: http://www.youtube.com/watch?v=xS-QT49oL0A

Peaches En Regalia: http://www.youtube.com/watch?v=1CDKSfZNVdc

Lucianne