El Amigo Mr. Hammond

Para salir un poco de las recomendaciones y las críticas y debido a la falta de tiempo de la “autora” (?), decidí dedicarle unas líneas a uno de los mejores inventos de todos los siglos: el órgano Hammond.
El Hammond (si… “el Hammond”, estamos en confianza y somos todos amigos) es un órgano eléctrico que inventó el amigo Laurens Hammond allá por 1934. La Hammond Organ Company comenzó a crecer cuando sus instrumentos empezaron a ser vendidos a aquellas iglesias que no podían acceder a los típicos órganos colosales propios de la época de Bach, ya que los Hammond eran una alternativa mucho más económica (en esa época…ahora para comprar uno hay que donar todos los órganos, vender el pelo, hipotecar la casa y si quieren más opciones luego me preguntan).
Voy a intentar explicar como está compuesto nuestro pequeño gran amigo. Un Hammond viene en forma prácticamente de…mueble (si, como el combinado ¡JA!) y es muy molesto al momento de moverlo y ni hablar de transportarlo. En él encontramos una consola en la que hay un teclado superior de cinco octavas y un teclado inferior también de cinco octavas. Tiene un sistema de 25 o 32 (dependiendo del modelo) pedales que sirven para imitar los sonidos del bajo (si si, se toca también con los pies… y los de la iglesia también). Dando vueltas por alguna parte del mueble pueden observarse perillitas que sirven para hacer armónicos que se producen a causa de unas ruedas llamadas Tone Wheels (En una época, un par de músicos se dieron cuenta que si se movían de cierta forma, esas perillas producían un efecto similar a la voz humana ya que sonaban como vocales y se le llamó luego “el órgano que habla”).

El órgano trabaja con los principios de el electromagnetismo (no me cuestionen, solo se que el electromagnetismo es una de las hasta hoy conocidas fuerzas del universo) y con unos altavoces individuales.
Hubo varios modelos de Hammond a lo largo de la historia: El B-3, el C-3, el A-100, el E-100, etc. En la actualidad fueron reemplazados por los teclados que conocemos hoy en día que pueden imitar el sonido del auténtico.
Igual, después de tanta cháchara, lamento informarles que lo que menos me interesa es saber como funciona sino ver como fue usado a lo largo de la historia musical y en un momento en particular.
Sin dar muchas vueltas vamos a decir que empezó a usarse en las iglesias, como dije antes. Luego, los músicos de géneros musicales como el jazz, blues, rock y gospel, comenzaron a adoptarlo y a incluirlo en su música.
Blablabla. Vamos a lo importante. El rock progresivo.
En los 60 tipos grosos como Lee Michaels, Rick Allen, Rod Argent, Jon Lord, Ray Manzarek y Ron McKernan le dieron un giro de 180º al uso del Hammond. El instrumento comenzó a tomar protagonismo en las bandas de la época hasta que en los 70, otros músicos (luego vemos quienes) le dieron el giro completo de 360º y lo transformaron en “divo” (¿?).
La década del setenta fue la década del rock progresivo. Floreció el rock, progresó…y como. Los grupos ya no eran solo guitarras y batería y algún loco hippie cantando “Somebody to Love” (ojo eh, que no tengo nada en contra de ellos, al contrario, me encantan, jaja). Los grupos ahora parecían casi orquestas, tenían violinistas, flautistas, excelentes vocalistas, profundas letras y… tecladistas. Tecladistas que no solo utilizaban teclados sino que también se destacaban, destrozaban (en el buen sentido de la palabra), desarmaban y volvían a armar con marcado virtuosismo y destreza a nuestro querido amigo Hammond.
Los grandes monstruos del Hammond fueron Rick Wright, Keith Emerson, Tony Banks, Rick Wakeman, Lee Michaels, Jon Lord, John Paul John, John Evan e incluso John Cocker.
Las bandas de estos músicos de la San Putanga fueron, ni más ni menos, que (en orden) Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer, Genesis, Yes, Lee Michaels (si, bueno, era solista), Deep Purple, Led Zeppelin y Jethro Tull. Siempre (Siempre significa antes, antes cuando era más chica y no escuchaba las bandas antes mencionadas) me ocurría que no le prestaba atención a los tecladistas en los grupos. Pero un día eso cambió. Escuché el solo de “How the gipsy was born”, interpretado por Jean-Jacques Kravetz, del grupo Frumpy, y empecé a escuchar todo de manera diferente. De hecho no solo empecé a escuchar prog sino que también comencé a sentir debilidad por todos los solos habidos y por haber (¿por haber?) en los temas de dichos grupos. El señor Hammond me cayó bien de entrada y nunca he dejado de admirar ese sonido tan característico.

En honor a nuestro amigo Mr. Hammond, este pequeño pero simpático escrito de chácharas.

Some Links:
The Greatest Hammond Organ Solos - Part 1: http://www.youtube.com/watch?v=jejadhR_m9w&feature=fvst
The Greatest Hammond Organ Solos – Part 2:
http://www.youtube.com/watch?v=0nsPgSl52qY&feature=related

Enjoy,
Lucianne

Emerson, Lake & Palmer: Emerson, Lake & Palmer

Emerson, Lake & Palmer: Emerson, Lake & Palmer
Rock Progresivo – 1970

Para empezar, una pequeña introducción biográfica-histórica. Emerson, Lake & Palmer (ELP) surgió en 1970 en Inglaterra. Tres grandes músicos (debería escribir “músicos” con mayúscula porque esos sí que eran músicos) fueron los padres fundadores de este supermegaarchigrupo (supergrupo, bueno): Keith Emerson en teclados, Greg Lake en voz, guitarra y bajo y Carl Palmer en batería y percusión.
Grabaron varios discos a lo largo de su carrera como ser Tarkus, Pictures At An Exhibition, Brain Salad Surgery, entre otros.
Hoy elegí escribir sobre su primer disco, aquel que los llevó a su consagración. Sinceramente creo que el disco no brilla por su grandeza, porque los que le siguieron a este son musicalmente mucho mejores, pero inevitablemente siento cariño por este trabajo. Sin embargo, se dice que “Emerson, Lake & Palmer” fue uno de los mejores álbumes de la banda inglesa.
¿Qué es lo que tiene este disco? Bueno, veamos. Una particularidad es que no hay un gran trabajo grupal… es decir, todos los temas excepto uno o dos, se basan en solos prácticamente virtuosos –lo que es más que excelente-. Es decir, no se les pueden atribuir TODOS los temas a los tres músicos –a excepción del primero- porque en mi opinión todos se lucen por separado.
Los genios de ELP nos regalan en este disco tan solo seis temas.
Abrimos con “The Barbarian”, un tema basado en una composición del 1900 para piano del gran Bella Bartok. La verdad es increíble. Es el tema que le hago escuchar a la gente neófita que te dice “No se puede mezclar el rock con la música clásica”. Bueno gente neófita, escuchen “The Barbarian” de ELP y después me cuentan. Nos encontramos con el zarpado sintetizador Moog y el piano Stainway de Emerson y no se si no está el Hammond (baba, yo quiero uno) dando vueltas por alguna parte de la pieza.
“Take A Pebble” es el segundo tema del álbum escrito por Lake. 12 minutos de deleite a cargo de Mr. Emerson en piano, Lake en guitarra acústica y Palmer tira un par de cosas medio jazzisticas. El tema empieza siendo una balada y rompiéndote el cráneo y volándote los sesos con esos aplausos que aparecen ahí de la nada. Bastante, bastante, bastante experimental podría decirse.
A continuación encontramos “Knife Edge”, otro tema dedicado a esa gente neófita que nombré hace un rato. Knife Edge es una pieza de 5:11 minutos basada en una obra del compositor clásico checo Leoš Janácek. Acá no solo vemos de vuelta el virtuosismo de Emerson sino también la destreza presente en Palmer al momento de tocar jazz o mejor dicho, bases de jazz. De golpe, pum. Otro golpe a la gente neófita. Emerson corta con Janácek y le cabida a la Allemande de la Suite Francesa en Re Menor, BWV 812, de Johann Sebastian Bach. Chupáte esta mandarina.
En “The Three Fates”, la cuarta canción, oímos más y más y más y más talento “emersoneano” por, prácticamente, 8 minutos. Antagónicamente, en “Tank”, deja de ser protagonista Mr. Emerson y toda la atención pasa a Mr. Palmer con su solo de batería de la San Putanga (como diría mi crazy uncle Kel).
El cierre del disco se da con “Lucky Man”. Si…no fueron ningunos idiotas los ingleses.
Fue el single del álbum y en un principio se creía que estaba ahí de puro relleno, pero que equivocados que estaban los que decían eso (o están, porque hay quienes lo siguen afirmando)…que equivocados…El tema fue compuesto por Lake con tan solo 12 años de edad (yo a los 12 solo podía tocar “Estrellita Estrellita”) y a pesar de todas los palos que le dieron a este tema (para mi, un temón) terminó siendo uno de los más comerciales y reconocidos no solo de ELP sino también del rock progresivo. Como en todos los temas de la banda, nos encontramos con el solo emersoneano…un solo que cobra vida a través de un sintetizador moog (ufa… ¡me gusta más el sonido del Hammond!)
Las letras puede decirse que están buenas, aunque considero que hay cosas mejores, pero anyway, no se puede todo en esta vida. Hay cosas en las letras que me gustaron por la manera en como están dichas, pero no terminan de convencerme, prefiero letras como las de Van Der Graaf, Genesis, Crimson, etc.

Have you walked on the stones of years? (¿Haz caminado en las piedras de los años?)

When you speak, is it you that hears? (Cuando hablás, ¿sos realmente vos?)

Are your ears bone? (¿Están tus oídos secos?)

You can't hear anything at all (No podés escuchar absolutamente nada)

Fíjense, yo lo recomiendo, es un lindo disco. Es un álbum para disfrutar en casa, tirado en el sofá mientras miramos el techo y hacemos nada o simplemente despegamos la mente un poquito del cuerpo. Es también (si, dale que dale con lo mismo, pero sinceramente me saca) para esa gente neófita que nombre antes para que vean como un género se desprende de otro y para que también vean como un genero puede relacionarse y desarrollarse sin defecto alguno con otros. Para los enfermos del prog (además de mi) es un “must have”, si te gusta el prog lo TENES que tener. Y para los que no entran en ninguno de estos grupos y les gusta escuchar cosas nuevas, adelante.

Some Links to enjoy:
ELP – Lucky Man: http://www.youtube.com/watch?v=Nm7-cysfE2c
ELP – The Barbarian: http://www.youtube.com/watch?v=cSegukNR8HY
ELP – Knife Edge: http://www.youtube.com/watch?v=-B3UrB_dex8&feature=related (miren el Hammond! Miren el Hammond!!!)

Peace, Lucianne

P.D: Butter, ahí tenés tu santo nombre del disco sin hipervínculo trompeta, así te quedás trompeta y todos trompeta :)

Nota al lector II (?)

El encabezado de este blog dice:

"The Isle Of Everywhere - Música, Cine, Literatura"

Me di cuenta que solo hay una nota de literatura (relativamente, porque la nota de Cohen habla más de música que de literatura), ninguna de cine y muchas de música.
Sinceramente últimamente tengo ganas de escribir de música, no me nace escribir ni de cine ni de literatura, asi que se las debo. Tengo bastantes peliculas vistas como para escribir de cine y tengo muy pendiente un ensayo acerca "The Catcher In The Rye" (El guardían entre el centeno) de Salinger. Palabra.
Proximamente en este blog....pero no por ahora...JA!.

Lucianne

Premiata Forneria Marconi – Storia Di Un Minuto

Rock Progresivo – 1972

Bueno… por donde empezar…
First things first. Premiata Forneria Marconi (Pero díganme Premiata o PFM), LA banda de rock progresivo italiano por excelencia.
El disco que les presento se llama Storia Di Un Minuto y fue lanzado en 1972, alcanzando el éxito total en toda Europa.
Wow. Me pregunto porque siempre los primeros discos de todas las bandas que escucho son los que más me terminan gustando.
Storia Di Un Minuto es un álbum que presenta composiciones complejas y una estructura musical que sigue el patrón progresivo mezclando sutileza con excelencia.
Es un disco con una amplia gama de matices elaborados cuidadosamente. Si…los matices… No se porque tiendo a comparar este trabajo con una obra de arte plástico, o pictórico o como prefieran llamarlo. Da la sensación que Storia Di Un Minuto es un cuadro y que cada tema es una figura determinada que configura dicho cuadro. No se si me explico muy bien, pero para aclarar mejor mi punto voy a recurrir a la teoría gestáltica: El todo es la suma de las partes. Y si… así es este disco. El todo sería el cuadro y las partes serían los temas. Cada tema es un color diferente, un matiz diferente, un trazo diferente, una pincelada diferente. Los músicos decidieron jugar con siete colores que terminaron siendo canciones.
El disco abre con “Introduzione” que incluye también el tema “Impressioni Di Settembre”. Ambas piezas son bastante tranquilas, podríamos considerarlas baladas compuestas por flautas, melotrones, guitarras eléctricas y acusticas. Son dignas de escuchar no solo por el hecho de que es rock progresivo puro sino también porque que la presencia de la teoría musical (entiendase por teoría musical armonía y contrapunto) en dichas composiciones sobresale.
El tercer tema es sin duda alguna mi favorito (y creo que el de muchos también). “É Festa” es alegría, euforia, energía, polenta, y todas esas cosas típicas de los italianos (que me encantan) hecha música. Tiene un toque medio irlandés, celtón… es muy folk che…Hay mucho virtuosismo presente.
A continuación nos topamos con algo opuesto a “É Festa”. “Dove…Quando...” es un tema compuesto de dos partes. La primera parte es un viaje en el tiempo. Por momentos suena medio celta, por momentos suena medieval, por momentos suena barroco….En la segunda parte esto cambia y se mezcla todo lo anterior con algo más tipico del prog, o más jazzistico incluso. Juega un rol importante el piano (protagonista), los instrumentos de cuerdas (como me gusta ese violín) y los melotrones.
“La Carrozza Di Hans”. Sin palabras. La guitarra de se lleva todos los premios.
Cerramos con “Grazie Davvero”, un tema que te descoloca. Vos venís escuchando el disco de lo más pancho y de golpe pum. Te quedás escuchando como diciendo “oh what fresh hell is this?”….se lima en experimental en mi opinión…en mi opinión.
Una cosa para destacar –SI, SE QUE SIEMPRE DIGO LO MISMO- es el idioma. Todos los temas son en italiano y eso es algo exquisito, es digno de saborear. El hecho de que esté en italiano hace que el disco genere una atmosfera particular… parece que escuchas música propia del folklore italiano y te sentís en medio de alguna ciudad tana.
Para finalizar quiero destacar solo dos cosas más. Por un lado, PFM fue, como dije antes, LA banda de rock progresivo italiano por excelencia y gracias a ella aparecieron otras bandas zarpadas como Banco Del Mutuo Soccorso, entre otras. Por otro lado, este disco puede compararse con el Nursery Cryme de Genesis o el In The Court de King Crimson porque plantea un concepto musical similar y se mueve mas o menos en el mismo terreno que estas dos bandas: flautas, violines, etc.
Sin duda alguna este es un disco que cualquier amante empedernido (aquí la enferma crónica del prog numero uno) tiene que tener en su colección por su perfección estética-musical, conceptual y sentimental. No anduvieron con estupideces los tanos.

Para el deleite de los oídos y los ojos:
PFM – É Festa (Aunque en el video está en inglés la letra, pero es lo que hay gente): http://www.youtube.com/watch?v=esHEPt41Sjc

PFM - La Carrozza Di Hans: http://www.youtube.com/watch?v=A4qtITloLqY

PFM - Impressioni Di Settembre: http://www.youtube.com/watch?v=2T1oKGynRVs

Y de yapa este otro que es del 2002, es decir bastante actual y fijense como mantuvieron su sonido despues de tanto tiempo:

PFM - É Festa: http://www.youtube.com/watch?v=SNc8spdFZ5E&feature=related

Para la mia mama, se que vas a ver los videos, prestale atención a Impressioni Di Settembre, se que te va a gustar

Peace, Lucianne

Van Der Graaf Generator – Still Life

Rock Progresivo (también considerado Progresivo Ecléctico) – 1976

Si. Sin pensarlo dos veces puedo afirmar que este disco me hizo volar no solo por la música sino por las profundas letras de Peter Hammill. He tenido la oportunidad de escuchar el resto del material de VDGG y me di cuenta que si tuviese que elegir alguno de sus tantos trabajos, elegiría, sin duda alguna, Still Life. Esto no quiere decir que no haya otros álbumes que me gusten ¿eh? No. De ninguna manera. Godbluff o Pawn Hearts son dos que me han fascinado, pero a Still Life le encontré algo que al resto no. Me movió algo adentro. Sinceramente tuve que escucharlo un par de veces para decir “Wow, me encantó, it blew my mind”, pero la tercera vez me hizo como un clic en el cerebro y ahora puedo llamarlo “mi disco favorito de Van Der Graaf”.
El disco per se, es tranquilo, mucho más tranquilo que otros creo, pero sin embargo es el más emocional. Al menos eso creo. Hay determinadas frases en algunos temas que tienen un contenido…Ummm... ¿Cómo llamarlo? ¿Sentimental? Tal vez sea por eso que me encanta. Le doy mucha importancia a las letras. Acá tenemos la combinación perfecta. Excelentes letras y una música que se adapta correctamente a cada palabra de dichas canciones.
El álbum abre con Pilgrims. Hablando de carga emocional, dos momentos de la canción me llegan realmente al alma:

Sometimes you feel so far away, (muchas veces te sentís tan lejos)

distanced from all the action of the play, (distanciado de toda la acción)

unable to grasp significance, (incapaz de alcanzar el significado)

marking the plot with diffident dismay, (marcando el argumento con tímida consternación)

stranded at centre stage, (varado en el centro del escenario)

scrabbling through your diary for a lost page, (revolviendo entre las hojas de tu diario por una hoja perdida)

unsure of the dream (inseguro del sueño).

Look to the future day (mirá hacia el futuro)

for hope, some form of peace (por esperanza, alguna forma de paz)

within the growing storm. (dentro de la tormenta creciente)

I climb through the evening, (trepo en la noche)

alive and believing (vivo y creyendo)

in time we shall all know our goals (en tiempos en que todos conozcamos nuestras metas)

and so, finally, home; (y así, finalmente, en casa)

for now, all is secret (por ahora, todo es secreto)

Era necesario poner esos fragmentos. Son increíbles. El tema comienza con aires misteriosos encarnados en el sonido de un órgano y después el esquema progresivo evoluciona hasta estallar.
Sigue Still Life. Una estructura similar –dije similar- a Pilgrims, con una onda tenebrosa pero esta vez encabezada por la voz de Hammill.
Tercera canción: La Rossa. Podemos decir que es el tema más “pulenta” del disco y el que más me gusta. Hay partes de la letra que también me copan bastante, como ser:

I know you know (se que sabés)
That I am acting (que estoy actuando)
I can see it in your eyes (puedo verlo en tus ojos)

A continuación de La Rossa viene la antítesis de dicho tema: My Room (Waiting for Wonderland). Digo antítesis porque es un tema tranquilo que hace que vueles un ratito y te dejes llevar por aquella dulce melodía donde se destaca un instrumento de viento.
Final y justificadamente nos topamos con Childlike faith in childhood’s end. Una pieza a la que llamaríamos…emm ¿Cómo era?... épica (perdón, no puedo no incluir mis pensamientos en mis escritos) que es la típica pieza con el típico estilo de Van Der Graaf donde el esquema progresivo es impecable.

Personalmente creo que me gusta este disco no solo por toda la cháchara que dije recién del significado que encuentro en las letras sino también –recalco, perdón por ser monotemática- por la gran conexión que existe entre la estructura musical y la maravilla vocal de Hammill. Flor de discazo. Gran disco gran.

Some links:
Van Der Graaf Generator – La Rossa: http://www.youtube.com/watch?v=ndu96lClBIA
Van Der Graaf Generator – Theme One (este tema NO está en dicho álbum, pero me encanta y quería incluírlo): http://www.youtube.com/watch?v=WWcJ7WeAK78&feature=related

Lucianne

Frank Zappa – Hot Rats

Jazz/Rock/Cuasi-Progresivo - 1969

Si alguien me pidiera que le recomiende algún disco de Zappa para poder adentrarse en su mundo, sin duda alguna diría Hot Rats, o también (por que no y ya que estamos) The Grand Wazoo de 1972.
En mi opinión este disco es de Zappa el equivalente al Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd. No pienso dos veces al afirmar (obviamente hay quienes no están de acuerdo con esto) que Hot Rats marcó un antes y un después en la carrera del gran Zappa.
El hombre del bigote se despega del rock y esos aires de swing para adoptar un nuevo estilo: la fusión entre el jazz y el rock.
En este trabajo, Frank contó con la colaboración de sobresalientes músicos como ser el pionero del violín eléctrico Jean Luc Ponty y el músico multiuso (como diría un amigo, el “Procenex” del grupo) Ian Underwood.
El disco tiene seis temas. Cualquiera diría que es poco, o cualquiera esperaría un par más al menos. Pero no. Seis temas son suficientes y sobra. Son canciones largas pero que parecen cortas por lo llevaderas que son.
Hot Rats abre con LA pieza de Zappa, Peaches en Regalia. Mucha es la gente que considera este tema como EL tema del músico, como dije previamente. Es una pieza que fusiona los virtuosos solos de guitarra de Frank, con trompetas, piano entre otros. Dura 3:39 minutos…a veces uno desearía que no terminase, pero sin duda alguna si la hubiese extendido, el tema no sería Peaches in Regalia.
Después de tremendo tema sigue Willie The Pimp. GOD. Ahí escuchamos el violín de Sugar Cane Harris y la inconfundible voz de Captain Beefheart que juntos derivan en una suerte de rock medio blusero. En mi opinión ese es el tema que más me gusta pero que sea el que más me gusta no quiere decir que sea el mejor musicalmente. Considero al tema Son of Mr. Green Genes el mejor tema, musicalmente hablando, del disco. Sería como el highlight de Hot Rats. Tiene un toque a Peaches en Regalia.
Little Umbrellas. Yeah! El comienzo me recuerda a la Marcha Funebre de Chopin. Perdón. Debía decirlo. Tiene una melodía un tanto extraña al principio pero que varía a lo largo de los 3:04 minutos que dura la canción. Es buena.
And now… The Gumbo Variations. Casi 17 minutos de complejidad y destreza instrumental. Una perfección increíble. El saxo parece sacado de alguna de esas bandas de blues o lo que quieran de alguno de esos bares norteamericanos de aquellas épocas. Te vuela la cabeza. 17 minutos de éxtasis asegurados.
El disco cierra con el tema It Must Be A Camel, con el violinista prodigio Jean Luc Ponty. Canción lenta. Una lentitud que si o si le da un cierre al disco. Cuando escuche It Must Be A Camel pensé inmediatamente que Zappa habría querido darle un descanso a nuestras mentes luego del viaje que se pegaron a causa de los efectos de los otros temas.
Es un tema relajado que te hace aterrizar y apoyar los pies de vuelta en tierra firme.
El disco es totalmente instrumental a excepción de Willie The Pimp.
Este pedazo de discazo se merece TODOS los premios y es un disco del cual hay que disfrutar. Nada de ir en el tren escuchándolo por primera vez. Es para apreciar. Creo que esa fue la finalidad de Zappa. Además… Esto para el año 1969 era toda una innovación. Kelly tenía razón. Kelly dijo en el año 1969 que Zappa iba a ser un pionero, iba a ser alguien más que destacado en la música… y lo fue.
Luego de 40 años de su aparición, debo decir en mi humilde opinión que este es uno de los mejores trabajos de Frank Zappa lejos.
Todos aquellos que NO lo hayan escuchado al Frank, give him a try y háganlo a través de este álbum.

Posteo dedicado a mi papá Otto y a “el tío” Mac Nube, que hace 40 años, cuando ellos tenían la edad que yo tengo ahora, escuchaban ya esta joya del rock. En honor a ellos por haberme pasado toda su cultura a mi. Les estoy eternamente agradecida.

Some Links

Willie The Pimp: http://www.youtube.com/watch?v=xS-QT49oL0A

Peaches En Regalia: http://www.youtube.com/watch?v=1CDKSfZNVdc

Lucianne

Harmonium – Si On Avait Besoin D’Une Cinquième Saison

Sinfónico Progresivo – 1975

Sin duda una obra maestra del rock sinfónico progresivo de 1975. Me transporta a los paisajes mas desconocidos de mi mente. Creo que lo que más me cautiva del disco es la simplicidad que presentan los arreglos de cada tema. Es una simplicidad compleja…no se si se entiende a donde quiero llegar. Son arreglos simples que crean las más hermosas melodías. Es un álbum armónico, pacífico. Cada nota, cada instrumento está, sin duda alguna, donde debería estar. Increíble. Letras en francés. Las letras en francés son algo característico del disco también. Creo que si Harmonium cantara en ingles, alemán, italiano, esperanto o danés no sería lo mismo. Si On Avait Besoin D’Une Cinquième Saison es un disco transparente, perfecto. Desprende belleza, emociones, sentimientos… Es un disco que no debería faltarle a aquellas personas que escuchan buena música. Canciones que se llevan todos los premios: Depuis L’Automne, Vert y Histoires Sans Paroles.

Un disco sencillo, pero profundo. Excelente.

Some Links:
Harmonium – Depuis l’automne (Part I): http://www.youtube.com/watch?v=axi3jpktVSo
Harmonium – Depuis l’automne (Part II): http://www.youtube.com/watch?v=v-usGAETVTY&feature=related

Lucianne