Mensch Maschine de Kraftwerk, sacado del DVD Maximum - Minimum, grandes totales

Moonchild del disco In The Court Of The Crimson King. Hermoso tema, hermoso disco.

Peace

Frank Zappa: A bunch of dead people / Un grupo de gente muerta

Frank Zappa: A bunch of dead people / Un grupo de gente muerta: "I'll tell you what classical music is, for those of you who don't know. Classical music is this music that was written by a bunch of dead p..."


New Stuff :)

Cause we ended like lovers, interpretado por Jeff Beck (no hace falta decir nada de este grande) y Tal Wilkenfeld, una GROSA del bajo :D

Psycho killer, qu'est-ce que c'est? fa fa fa fa fa fa far better, run run run run run run away! Oh oh ohoh! Psycho killer, qu'est-ce que c'est?? fa fa fa fa fa fa far better, run run run run away!

Temazo, bajense el disco Talking Heads:77 :)

Alvin Lee, Ten Years After en Woodstock 1969 :)

Booker T & The MG's. Green Onions, temazo. El disco también es imperdible! :)

La gran Janis Joplin, cantando el temón Summertime, en Suecia en el año 1969. Hermosa versión.

amazing stuff

feliz cumple ringitoooo! un día atrasado, pero la intención es lo que vale!
felices 70 grosso! :)

Frank en Miami Vice

Ravi Shankar - The sounds of India

Música Hindú/ 1968

Con ustedes el "Pandit" Ravi Shankar, este grande de la sítara que le enseñó a Jorgito Harrison.

Nació en India (si, donde más sino), específicamente en Benarés. Es el instrumentista hindú más conocido. Un dato curioso que la verdad me dejó sorprendida, porque nunca lo imaginé, es que este hombre además de ser el padre de otra sitarista (se dirá sitarista?) más, es el padre de Norah Jones...wow, ¡ja!.

Últimamente, no sé porque, estuve a full escuchando el disco "The sounds of India"....

Les puedo confirmar es que es un disco de la hostia y que quiero aprender a tocar esa cosa. Ah, y que también quiero ir a la India. Quiero hacer la gran Jorgito.

Link del youtube para escuchar:

http://www.youtube.com/watch?v=LzN2gUGYUGc

Phir melengay,

Lucianne

Syd Barrett – The Madcap Laughs

1970 – Acid Folk / Rock Experimental

Bueno. Pedazo de disco. Voy a salir un poco de lo progresivo. Melómanos, con ustedes el primer disco solista del amigo Syd Barrett luego de haberle dejado su puesto a David Gilmour en Pink Floyd.
Este disco es una joyita –al menos en mi opinión- porque a pesar de ser “acid folk” o “experimental” me suena totalmente opuesto al resto del material que producían grupos de la época. Es un disco totalmente desgarrador, un espejo fiel del desastroso y muy avanzado estado mental de Barrett. Fue un álbum muy difícil de grabar ya que Syd estaba en otro mundo y a los músicos se les complicaba mucho seguirle el hilo. En medio de ciertas canciones se puede escuchar ruidos de hojas pasando, o voces terriblemente fuera de tono…
El disco fue producido por un grupo de productores entre los que se encontraban Roger Waters y David Gilmour.
Gilmour propuso poner las piezas directamente en crudo, por eso hay temas donde solo se escucha a Syd y su guitarra (una zarpada Telecaster). Es por esto último que el disco cuenta con piezas originales y repeticiones de los mismos bajo el nombre de “take”, es decir, grabaron los temas como correspondía con todos los músicos y pusieron material en bruto en forma de “tomas”, como en el cine.
Es un disco totalmente ilógico, desatinado, confuso, discordante, embrollado y psicodélico (repito, completamente diferente a la psicodélica de la época).
Las letras son increíbles, son caóticas, trastornadas, turbias y confusas.
Olvídense de prolijidad y bienvenidos sean a la depresión Barretteana.
El disco crea un mundo completamente oscuro, opaco, sombrío…
Los highlights del disco: Dark globe, Here I go, Octupus, She took a long cold look, Long gone, Feel y mi favorita, Love you.
The Madcap es un disco terriblemente recomendable para todos aquellos que:
-Les guste Pink Floyd en su período con Barrett.
-Les guste los discos totalmente ECLIPSADOS, escenciales, sustanciales y llenos de material del adentro del compositor.

Links to enjoy:
Octupus: http://www.youtube.com/watch?v=m_6PhexCMow
Long gone: http://www.youtube.com/watch?v=klN627MMm2E
Love you: http://www.youtube.com/watch?v=cs9jwnUlx5o

Boredom,
Lucianne

FELIZ CUMPLEAÑOS AL AMIGO BOB DYLAN QUE ESTA CUMPLIENDO SUS 69 PIRULOS!

FELIZ CUMPLE, BOB!

Samla Mammas Manna (SMM) – Maltid

RIO/Avant-Prog – 1973

Alto nombre, lo sé. SMM es una banda proveniente de Suecia que apareció por esos pagos en los 70. Fue uno de los grupos que fundó el genero RIO (Rock in opposition). Hay quienes dicen que el estilo de composición de estos muchachos (en cuanto a sonido y a humor) se relaciona con aquel de mi difunto esposo Frank Zappa (ya muchos saben que Frank es mi difunto esposo… -¿?-) y también algunos lo relacionan con el sonido de la Canterbury Scene, aunque por una cuestión territorial, esto no puede ser.
SMM tuvo varias formaciones a lo largo de los años (creo que su ultimo CD lo lanzaron en 2002). También varió su estilo y sus nombres a lo largo del tiempo (se llamaron Zamla Mammaz Manna y Von Zamla –el ultimo me re copa-).
Volviendo al tema de la formación, la original estaba integrada por Lars Hollmer en teclados, Hasse Bruniusson (bata), Lars Krantz (bajo), Henrik Öberg (percusión). Para nuestro disco en cuestión se unió Coste Apetrea, guitarrista de jazz-fusion.
Bueno a ver, el disco, Maltid. Para empezar: si te gusta la música seria, dejá de ver este post y ponete a escuchar Crimson (todo bien con Crimson igual, a muerte Crimson).
El disco, al igual que su estilo, es un chiste. Es muy de circo, un tanto teatral. Es tonto y ridículo. Es genial… UNICO gente, UNICO. Es único porque es un humor un tanto tonto fusionado con el virtuosismo de unos músicos de la hostia. Bueno, en cuanto al estilo o sonido, como más gusten llamarlo, podemos decir que Maltid es una melange de toques jazzeros, reminiscencias folk y avant-garde de la buena… más unos locos cantando loca y agudamente…
Es un disco altamente cohesivo. Creo que es el disco más accesible y “digerible” de la banda. Es demasiado ritmico.
Creo que si sos bastante abierto a las cosas nuevas (bue…1973…nuevo dice) y diferentes, Maltid de SMM puede llegar a engancharte.
Ahora, si te gusta el jazz fusion, RIO o avant-garde, dale para adelante.

Some links to enjoy:
http://www.youtube.com/watch?v=J01Lmmmv5Ow
http://www.youtube.com/watch?v=UwDXwyRovk4&feature=related

Saludos gente linda
Peace
Lucianne

Pd: ¡Luli ha vuelto… y en forma de fichas! Tanto tiempo che… re colgueti lo mio, pero la facu me está matando, pero bueno, el que quiere celeste que le cueste (¿?).

Frank Zappa - Chunga's Revenge

1970 - Hard rock/Rock progresivo/Jazz Rock

Chunga's Revenge es un álbum del músico y compositor Frank Zappa lanzado al mercado el 23 de octubre de 1970. El primer álbum de los años 70 de Zappa, incluye a los antiguos miembros de The Turtles, Flo & Eddie, que aparecerían en más álbumes del artista. Chunga's Revenge es un cambio respecto a los álbumes de corte político de los años 60 con The Mothers of Invention, y el jazz rock de Hot Rats.
El contenido del álbum es ecléctico; hay dos improvisaciones de guitarra ("Transylvania Boogie" y "Chunga's Revenge), un blues ("Road Ladies"), un interludio de jazz ("Twenty Small Cigars"), y varias pistas de corte pop ("Tell Me You Love Me", "Would You Go All the Way?", "Rudy Wants to Buy Yez a Drink", "Sharleena"). Las pistas cantadas tratan todos sobre el sexo y encuentros con groupies, y, como Zappa menciona en las anotaciones del álbum, son un adelanto de la película y su banda sonora 200 Motels.

Incluye los temas:
"Transylvania Boogie" – 5:01
"Road Ladies" – 4:10
"Twenty Small Cigars" – 2:17
"The Nancy and Mary Music" – 9:27
"Tell Me You Love Me" – 2:33
"Would You Go All the Way?" – 2:29
"Chunga's Revenge" – 6:15
"The Clap" – 1:23
"Rudy Wants to Buy Yez a Drink" – 2:44
"Sharleena" – 4:04

Extraído de Saint Wikipedia, perdón gente, pero la universidad me consume y no quiero abandonar el blog, ya volveran las reviews!

Bring me to life :p

Lucianne

BBC Prog Rock Britannia Part 2

Parte II. Enjoy!

BBC Prog Rock Britannia Part I

A causa de que la dueña de dicho blog empezó la facultad y cuando vuelve solo quiere hacer nada, el blog se encuentra momentaneamente fuera de servicio (?)
Ya volverán las reviews, palabra.
Acá les dejo una serie de videos que me pasó un amigo. Esta es la primer parte, prometo las otras. Hope you enjoy.

Debut Televisivo de Frank

Frank Zappa a los 22 años, en el show de Steve Allen. Frank nos "deleita" tocando la bicicleta. Fue su primer aparición en tele. Gracias Uncle Kel por pasarlo! :)

Franks,
Lucianne

Pd. Miren lo que era nuestro Zappita sin bigote, todo un purrete.

Tony Levin

¿Alguien me puede explicar como es que hoy toca el grosso de Tony Levin y yo me entere....hoy?

Me quiero matar. Matar.

Harakiris,

Lucianne

The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground & Nico

Art Rock/ Protopunk/ Rock Experimental – 1967

Me da muchísimo gusto presentarles este pedazo de disco que seguramente todos conocen: The Velvet Underground & Nico. El álbum se publicó en 1967 bajo la producción del gran artista plástico/cineasta/todoloquefue, Andy Warhol (una de mis grandes influencias).
Para comenzar, como siempre hago, una pequeña reseña biográfica: The Velvet Underground era una banda norteamericana de rock alternativo. Fue una de las bandas más representativas de los años ’60 estadounidenses. Han causado gran influencia en la música ya que ellos jugaban mucho con la desafinación de los instrumentos para lograr sonidos nunca antes obtenidos (idea que obtuvieron de la avant-garde). Sus letras eran realmente escandalosas ya que incluían temas, para ese entonces, impensables como el consumo de droga, la sexualidad, el sadomasoquismo, etc. Fueron un gran símbolo del movimiento underground de EEUU. Los miembros que formaban The Velvet eran, el gran Lou Reed (voz, piano, guitarra, compositor de los temas), John Cale (en bajo, viola eléctrica, órgano y coros), Sterling Morrison (guitarra, bajo) y finalmente Maureen Tucker (batería, percusión). Otros músicos fueron miembros de este grupo también, pero no considero relevante hablar sobre ello aquí. A pesar de no ser una banda comercial, The Velvet Underground llegó a ser conocida gracias a mi, MI Andy Warhol. Para los que no saben, Andy era una especie de cazador de talentos, buscaba gente con personalidad extraña y explotable al máximo. Estas personalidades eran conocidas como Warhol’s Superstars. En aquella época, Warhol se estaba alejando del arte plástico para empezar a incursionar en el ambiente cinematográfico de la mano de otras Warhol’s Superstars como Edie Sedwick. Andy había creado una especie de taller llamado “La Factory” (más tarde, La Silver Factory) donde se encontraba todo su séquito (Andy era una especie de líder o rey que cautivaba artistas y luego los dominaba). En aquel taller enorme fue donde tocó por primera vez The Velvet Underground junto a la cantante alemana Nico (otra de sus superstars) en un evento que se conoció bajo el nombre de EPI (Plástico Explosivo Inevitable). A partir de ahí, La Velvet comenzó a ser una revolución.
Ahora hablemos del disco. The Velvet Underground & Nico fue el primer trabajo de estudio de dicha banda. Como ya dije antes, la temática del álbum era totalmente desubicada para la época, era algo casi hereje. Asuntos como la drogadicción, el sadomasoquismo y la sexualidad (terrible baño de ácido tenían los músicos encima para aquel entonces) llevaron el disco a la censura.
El que realmente le dio “el” toque tan especial del sonido particular de La Velvet fue el bajista John Cale, quien ya había experimentado con músicos como John Cage (quien consideraba a los ruidos como música y centraba todas sus composiciones en ellos) y poco a poco se empezaba a vincular con el movimiento artístico Fluxus (al cual perteneció Yoko Ono, entre otros). Obviamente, Mr. Reed no se quedó atrás.
El disco cuenta con once temas. Los mas controversiales sin duda alguna son varios. “I’m Waiting For The Man” relata la historia de alguien que espera a un hombre que vende drogas. “Femme Fatale” es una canción compuesta e inspirada por Edie Sedwick por orden de Andy. “Venus In Furs” esta basada en una novela homónima (en mi opinión, uno de los mejores temas del disco). “Run, Run, Run” habla de la droga y sus efectos al igual que el temón “Heroin”. “All Tomorrow’s Parties” se dice que fue inspirada por el rutinario estilo de vida de Warhol (vivía todos los días de fiesta en fiesta, incluso no dormía y tomaba pastillas para poder asistir a todas). “I’ll Be Your Mirror” es una canción cantada por Nico que suena genial, pero nunca logré entender que hace ese tema en medio del disco. “European Son” es un tema totalmente limante.
En cuanto al sonido de La Velvet, es tan especial ya que sus integrantes no se quedaron con el sonido convencional de sus instrumentos. Como también mencioné previamente, Reed y Cale desafinaban sus instrumentos para crear un sonido mucho más misterioso. Algo parecido a esto último que hacían era entonar todas las cuerdas en la misma nota (a lo que Reed llamó “guitarra del avestruz”).
La tapa. El trabajo artístico de este discazo fue realizado, adivinen, por MI Andy Warhol. En la portada se puede observar una banana dibujada al estilo “Pop Art” con un fondo blanco (Por algo se le dice el “álbum banana”). Al costado de la misma se puede leer la frase “Peel slowly and see” (pelar despacio y ver). En un principio, la banana no estaba dibujada directamente en la tapa, sino que era una calcomanía. Si se seguían las instrucciones de “pelar despacio y ver”, debajo de la calcomanía se veía el dibujo de la banana, pero en este caso pelada y en color piel. Esto, si entendieron lo que quiere decir, si entendieron la alegoría, causó un gran revuelo. Realizar este trabajo –lo de la calcomanía y demás- elevó el costo de la producción, pero la MGM (quien finalmente realizó el disco, dado que otras discográficas lo rechazaron) decidió financiar este gasto ya que sabían que siendo un trabajo de Warhol, la gente lo compraría. (Obvio, si era tan groso él).
Finalmente y para cerrar, les comento que en la década del ’60 el álbum fue un absoluto fracaso. No tuvo buena promoción y fue rechazado no solo por los medios masivos de comunicación sino también por el público, debido a su temática indebida. Pero, pero, pero (siempre tengo un pero para defender algo que me gusta mucho), fue uno de los discos más influyentes en la historia de la música y de la crítica musical. Se puede decir que este disco impulsó lo que luego sería el rock psicodélico. Actualmente se encuentra en la lista de los mejores 500 discos de la historia y posee una gran significancia cultural e historia. Ah, no olvidemos mencionar que también es una joyita sociológica… es un disco que se puede tomar como el reflejo de la sociedad y juventud norteamericana de la época.
Altamente recomendable.

Some links to enjoy:

Venus In Furs: http://www.youtube.com/watch?v=OdeO8mGNiS0&feature=related
All Tomorrow’s Parties: http://www.youtube.com/watch?v=_KiU5P4ihIQ
Heroin: http://www.youtube.com/watch?v=6xcwt9mSbYE&feature=related

Peace,
Lucianne

King Crimson - In The Court Of The Crimson King

Rock Progresivo - 1969

Este disco fue considerado el primero del rock progresivo. Es una joya, una obra maestra.

No necesita descripción alguna. Una vez en una clase me preguntaron...

"¿Cuándo y de quién te enamoraste por primera vez?...¿Cómo fue que eso afectó tu vida?"...

Esa fue una increíble pregunta para hacer, y yo con mis 19 inocentes años, y tras la ruptura con aquel chico que tanto quise y quiero, contesté...

"Me enamoré de más chica a eso de los 15 años...me enamoré de una cara de tonos rosados, ojos claros, una boca desesperadamente abierta. Un rosto asustado... me enamoré en una cueva... una disquería..."

Me interrumpieron y dijeron:

"¡¡El vendedor!!"

A lo que tranquilamente contesté...

"No. Me enamore de alguien que nació en 1969... In The Court Of The Crimson King"

De más está decir que todos se me cagaron de risa en la cara, pero bueno...fue así.

Fue amor a primera vista, por la tapa del álbum y fue amor a primera "escuchada" porque a partir de ahi (sin olvidar el Nursery Cryme de Genesis) empecé a escuchar rock progresivo y nunca más lo dejé.

El disco, como la gran mayoría de los fanáticos del rock progresivo debe saber, abre con el temón "21st century schizoid man" y te ROMPE el cerebro... pero después cambia con el TEMAZO "I talk to the wind" y genera una atmósfera realmente hermosa que se mantiene a lo largo de todo el disco, exceptuando "Moonchild" donde notamos una gran carga jazzera.

Basta. No digo más de In The Court. Es un disco hermoso. Hermoso.

Lo consiguen, lo bajan, lo escuchan. AMENLO... como yo :)

Gracias Crimson por existir, so' Dio'!

Coffee,

Lucianne

Tubular Bells – Mike Oldfield

Rock Progresivo/Sinfónico – 1973

Well, well, well... Damas y Caballeros, con ustedes el gran trabajo de Mr. Oldfield: Tubular Bells. Fuerte el aplauso…
Chácharas. Mejor me pongo a escribir como corresponde antes de que me revoleen un zapato por la cabeza.
El creador de este gran trabajo fue, ni más ni menos, que el señor Mike Oldfield. El papá de este álbum es de origen inglés (que raro). Es multiinstrumentista y productor.
Se dice que Oldfield creó este pedazo de obra con tan solo 17 años (acá viene la parte en donde yo me tiro por la ventana o me hago el harakiri) y la presentó en varias discográficas pero ninguna la aceptó. Todo cambió un día en que este compositor conoce a Mr. Richard Branson, dueño en aquel entonces de disquerías que te llevaban los discos a domicilio (QUE PLACER). Branson no tardó en convertirse en el fundador de, ni más ni menos, la discográfica Virgin Records. Ahí es cuando Oldfield tiene un golpe de suerte. Tubular Bells fue el disco debut no solo de Oldfield sino también de Virgin Records. Fue tal el éxito de dicho trabajo que se mantuvo como número uno en las listas de ventas por varios meses.
Vayamos a la parte musical. Tubular Bells dura aproximadamente 49 minutos. Solo tiene dos temas: Tubular Bells Part I y Tubular Bells Part II. En el vinilo viene, como es lógico, la parte I del lado A y la parte II del lado B. En el CD se escuchan los dos temas de corrido, obviamente (comentario totalmente neófito, estúpido e innecesario).
La música que contiene este disco se hizo conocida por la gran joya cinematográfica “El Exorcista”. Si, si, el disco abre con la famosa banda sonora de esa película realmente zarpada y es prácticamente imposible no acordarse de aquella escena en donde Regan (Linda Blair) baja por las escaleras en forma de puente o gira la cabeza. Esta música quedó totalmente ligada con dicho film, pero no piensen que es un disco tétrico solamente por esto. Es un trabajo meramente progresivo desde el principio hasta el final. Lo que me gusta mucho de Oldfield en este trabajo es que a lo largo de la obra NUNCA retoma el tema clave (el del exorcista). Solo lo escuchamos unos minutos en cuanto empieza el disco/CD y listo. Si se continúa escuchando, con lo que menos se podría vincular el disco es con “El Exorcista”.
Se experimentan diversas emociones a lo largo del trabajo, ya que abre de manera muy misteriosa y tétrica y termina con “The Sailor’s Hornpipe”, tema absolutamente alegre y pum para arriba. Este último es el único en Tubular Bells que no es obra de Oldfield ya que es una pieza tradicional.
Bueno, que más… a ver… Los diferentes temas que componen tanto Tubular Bells Part I y Tubular Bells Part II se mezclan entre si, se entrelazan. Se escuchan diversos instrumentos, casi todos tocados por Mike Oldfield. Como dije antes, es un disco que genera diversas atmósferas, jugando con los cambios de ánimo.
TB fue grabado en una mansión, The Manor, de manera precaria. Creo que es eso lo que más se aprecia del disco. El mismo Oldfield dijo que el álbum está lleno de desperfectos y fallos técnicos y ahí creo que es donde está el encanto. Mr. Oldfield grabó uno por uno casi todos los instrumentos (a continuación una lista) y ahí es donde se complicó todo, ya que eran muchísimos instrumentos y solamente se disponía de ocho canales para grabar todas las pistas.
Este disco posee cosas que me cautivaron al extremo, pequeñas genialidades totalmente apreciables. Para empezar, hay un maestro de ceremonias. ¿Qué es eso? No sé. Lo único que puedo decir es que el maestro de ceremonias fue Viv Stanshall y lo único que hace en todo el trabajo es presentar, nombrar o mencionar -o lo que sea- todos los instrumentos al final del lado A –creo-. Es rarísimo, muchos se preguntaran… “¡¡¿¿Que car$%&o??!! Aún así me parece genial, no se puede escuchar eso en ningún otro disco.
También hay ausencia de voces (a excepción del hombre de las cavernas, a continuación una explicación detallada) a lo largo de los casi 49 minutos de duración del álbum.
El hombre de las cavernas humm…si, es algo también rarísimo en TB. Una vez, unos tipos por ahí encontraron un cráneo humano con mandíbula de simio o algo así pero finalmente terminó siendo una farsa. Lo que sea, la cuestión es que Oldfield flasheó al hombre de las cavernas y lo incluyó en su disco. Compuso esta parte pensando o intentando plasmar aquello que se imaginaba al pensar en dicha cosa encontrada. Nuestro amigo cavernícola se deja escuchar en el lado B diciendo incoherencias creo como ¡¡ASDJFHSJDK!! (si dice algo coherente, perdón, nunca le preste atención). Pero aún así es el momento más culminante del disco, en mi opinión.
En cuanto a la tapa del álbum, fue diseñada por Mr. Trevor Key. Se basa en una especie de collage de fotos. Vemos cielo, mar, olas rompiendo y el gran sello/símbolo de Oldfield, la campana tubular doblada. La campanita tiene su historia: El lado A cierra con violentos sonidos de campanas tubulares. El Sr. Oldfield en lugar de tocarlas con martillos de madera lo hizo con martillos de hierro y después de haber tomado carrera por todo el estudio… se imaginaran como quedaron las campanas. Ese fue el surgimiento de la portada del disco y también de la actual discográfica de Mike.
Como prometí, una lista detallada de todos los instrumentos que toca Oldfield en este álbum: Piano, glockenspiel, órgano farfisa, bajo, guitarra eléctrica, mandolina, percusión, guitarra acústica, flagedet, honky tonk, órgano Lowrey, timpani de concierto, órgano Hammond, guitarra española y….¡campanas tubulares!
Como verán no era ningún papa frita este muchacho, para aquel entonces, de 20 años (Harakiri de vuelta).
Para finalizar…tengo muchas cosas para decir sobre esta obra.
Tubular Bells hizo millonario y famoso al Sr. Oldfield.
Tubular Bells hace que te acuerdes de Regan vomitando verde y girando la cabeza 360º y te pongas paranoico. ¡Conozco gente que no puede escuchar el tema principal de noche! ¡JAJA!
Tubular Bells es uno de los mejores aportes a la música que escuché en mi vida.
Tubular Bells es una joyita del rock progresivo.
Tubular Bells es obligatorio en la colección de cualquier maniático de la música y especialmente del rock progresivo.

http://www.youtube.com/watch?v=xPEt5OTR6Vc

Cualquier cosa, llamen al Padre Karras.
Lucianne

Radio Gnome Trilogy Vol.3: You – Gong

Prog Rock/Psychedelic Rock/Space Rock/Jazz Fusion
1974

Con ustedes, uno de los mejores discos que escuché en mi vida: You. Empecemos desde el principio. Gong.
Gong fue una banda franco-inglesa de rock progresivo (también consideraron su música como propia del género psicodélico con toques de jazz fusionado) formada en 1967. El músico más relevante de la banda fue David Allen. La banda continúa aún en actividad.
Luego de lanzar cuatro discos, aparece una trilogía única: Radio Gnome Trilogy. Ésta se basa en tres discos: The Flying Teapot, Angel’s Egg y You (el disco en cuestión). Esta seguidilla de álbumes tiene un tema en particular que es la “mitología”. Allen afirma que la historia nace cuando tuvo una visión en 1966, donde vio su futuro revelarse ante sus ojos.
Podría explicar como es la historia pero la verdad sería desviarse mucho y estoy resfriada y no me da el cerebro para pensar y ponerme a redactar bien. (JAJAJ).
Emmm enfoquémonos en You. En mi humilde opinión, You es EL trabajo de Gong a lo largo de toda su carrera porque es una unidad, en el sentido de que todos los músicos trabajan juntos y funcionan realmente bien.
El álbum abre con “Thoughts For Naught”, sigue con “A.P.H.P.’s Advice”, luego tenemos “Magik Mother Invocation”, “Master Builder”, “A Sprinkling Of Clouds”, “Perfect Mystery”, seguimos con “The Isle Of Everywhere” y culmina con “You Never Blow Your Trip Forever”. Los highlights del disco son sin duda alguna “Master Builder” y “The Isle Of Everywhere” (En homenaje a ese tema el nombre de este humilde blog). Lo que más me cautiva de You es, sin duda alguna, como todos los temas están delicadamente unidos uno con otro. Take “Magik Mother Invocation” y “Master Builder” for instance… están realmente unidos y conectados pero se puede escuchar con exactitud donde empieza uno y donde termina otro, es simplemente genial.
Cualquiera que no haya escuchado Gong debería escuchar You para saber como suena, porque creo que es el disco más fiel a su estilo. Como dije antes, una mezcla perfecta de jazz y space rock… increíble, un disco de la hostia.
A must-have.

Umbrellas,

Lucianne

My Morning Jacket

A falta de tiempo, videito de un disco bien lindo. Z, de My Morning Jacket. El tema: Into the woods.

Voices Of The Dark Side - The Dark Side Of The Moon A Capella

Nosecomoclasificarlo – 2005

Wow. Este álbum me lo pasó mi amigo Manteca hace un tiempo. Lo escuché un par de veces y dije “uh si, que masa, que loco” pero lo dejé ahí. Hoy, buscando en mi amigo “Yutú” un par de videos de la película “El Mago De Oz”, encontré un tema de este disco. Abrí el Itunes y lo busqué, y si, lo tenía. Lo escuche de vuelta, tirada en el sillón y la respuesta fue: QUE LOCURA.
The Dark Side Of The Moon A Capella, como lo dice su nombre, es un disco tributo a Pink Floyd, pero en lugar de escuchar instrumentos, se escuchan pura y exclusivamente voces. ¡Voces que recrean todos los instrumentos y por la hostia que les sale bien!
El álbum fue lanzado en 2005 por el grupo Voices Of The Dark Side, formado por nada más que… 8 cantantes. Uno escucha el disco y es TAN completo que parecen una tropa, pero no, después me enteré que eran solo 8 (rimas en otro momento, por favor).
Este trabajo fue grabado tal cual el original (HQ) ya que los temas están enganchados uno con el otro y algo destacable es que todas las voces están grabadas en tiempo real, es decir, los arreglos están hechos de tal manera que todo suena tal cual el trabajo de Floyd. I mean, si ponen el original y después este otro van a ver que todo coincide, van al mismo tiempo, entran las voces al mismo tiempo, los solos son idénticos, etc.
Como era de esperarse, The Dark Side Of The Moon A Capella le significó a Voices Of The Dark Side una nominación para los premios Contemporary A Cappella Recording Awards (CARAs), en el 2006, por el mejor álbum de rock a capella.
Sarasa sarasa, consiganlón, escuchenlón, disfrutenlón, Alain Delón.

In need of icebergs, but still in harmony and sort of "thedarksideofthemoonised"

Lucianne

Ermitaña

Home,

Home again

I like to be here when I can

Casa,
Casa otra vez
Me gusta estar acá cuando puedo

Lucianne

You never know

A ver si me bajan el volúmen de la música por cinco segundos que tengo que contar algo:

Bueno, no sé, no sé que decir, no sé por donde empezar...
El sábado me desperte siendo una futura diplomática, embajadora, una futura Wilson o Morgenthau, Waltz, el que más les guste. Me desperté pensando en que pronto me tenía que poner a estudiar para rendir Sistemas Políticos Comparados porque la había dejado colgada para febrero. Mis viejos me sacaron a comer y pasó algo loquísimo.
Hacía tiempo que la cara ya me la venía pateando de lo larga que la tenía por culpa de la carrera de Relaciones Internacionales...
Estaba con mis papás almorzando -estaba demasiado concentrada cortando un pedazo de matambre-, cuando de golpe ellos empezaron a cuestionarme qué era lo que me pasaba con la carrera. Después de hablar hablar, blablar blablar, hablar e intercambiar ideas, mis papás dijeron que si no me sentía bien con lo que hacía, que siguiera con lo que me gustaba.... el punto era... estaba tan shockeada que no podía decir que era lo que quería.
Después de unos minutos (en los cuales yo seguía comiendo mi pedacito de matambre) me preguntaron "¿vos no querías diseño de nosequé?"
Así fue como en medio de un almuerzo y después de un año, decidí abandonar la carrera que había comenzado erroneamente... también decidí hacer finalmente lo que me gusta:
Luli Lange no será Wilson, va a ser simplemente diseñadora de arte audiovisual. Algo así al estilo de Andy Warhol. Podría decir "Luli Lange no será Wilson, será Warhol" pero no, no, porque ahora el mundo (o al menos una parte) va a ver que eso que tengo adentro mío, de mi cabeza, de mi espiritu. No busco ser mi parecerme a nadie, no quiero compartir la teoría de cualquier otra persona, solo busco ser yo, busco ser uno con mi arte. Quiero poder plasmar todo eso que tengo en el cerebro. Quiero usar una pantalla real en lugar de la pantalla que tengo el cerebro.
Es increíble como TODO cambia en un abrir y cerrar de ojos.
Me desperté como futura diplomática me fui a dormir como una futura diseñadora/comunicadora audiovisual.
Ah, y como si fuera poco, fui a la expo de Andy Warhol con Fafi, y fue GENIAL.

¿Qué más puedo pedir? (ademas de icebergs)
Lucianne

En la foto de izquierda a derecha: Fafi (el futuro Premio Nobel en Ingeniería Química) y yo (la futura diseñadora/comunicadora audiovisual), en la puerta del museo Malba, único lugar en donde nos pudimos sacar una foto con algo que dijera "Warhol" porque adentro no te dejan...

Bye Bye Catcher

Así de la nada dejo mis discos de lado por un ratito para intentar escribir unas pocas palabras acerca de una noticia que me shockeó... y mucho. Y no solo me doy cuenta de que la noticia me cayó mal, sino que no sé que se dice ante dichas noticias.

Ayer, 27 de Enero, murió el escritor norteamericano J.D. Salinger, aquel que le dio vida a uno de los personajes más míticos ever, Holden Caufield.

Se viene un momento cursi o como quieran llamarlo, pero Salinger fue un gran compañero siempre. Lo conocí de chica por medio de un compañero del colegio y a partir de ahí, intenté leer todo lo habido y por haber de él. Siempre que estuve mal, sola, aburrida, cansada, feliz, eufórica o lo que sea, J.D., estuvo ahí. Incluso creo que fue gracias a él que conocí a John Coltrane...

Me pasa con él, lo que él contaba en The Catcher In The Rye, que era algo así como: Cuando termino de leer un libro, lo que más me golpea de éste, es que deseas que el escritor fuese un increíble amigo tuyo y deseas llamarlo todas las veces que se te de la gana por teléfono.

Sabemos que Salinger fue un gran ermitaño y que vivió recluído en su casa de New Hampshire, lugar en el que murió ayer, pero sin embargo creo que nos hubíesemos llevado muy bien.

Bueno, basta de flasheo, esto fue simplemente una pequeña catársis resultado de una de esas muertes que te dejan helado.

Guardían entre el centeno, te voy a extrañar dude...

Lucianne

So, so you think you can tell

Heaven from Hell,

Blue skies from pain.

Can you tell a green field

From a cold steel rail?

A smile from a veil?

Do you think you can tell?

And did they get you to trade your heroes for ghosts?

Hot ashes for trees?

Hot air for a cool breeze?

Cold comfort for change?

And did you exchange a walk on part in the war for a lead role in a cage?

How I wish,
How I wish you were HERE.

We're just two lost souls swimming in a fish bowl,

Year after year,

Running over the same old ground.

What have you found?

The same old fears.

Wish you were here.

Pink Floyd

I miss you and need you so much. I wish you were here. La foto la saque yo y es el recuerdo mas puramente hermoso que tengo de vos. Sería tan lindo poder volver el tiempo atrás...

Lucianne

Eloy – Ocean

Rock psicodélico/ Space Rock / Rock Progresivo – 1977

Buenas noches damas y caballeros, aquí Lucianne, en una nueva entrega de The Isle Of Everywhere, por Canal eemm bueno, no importa.
Hoy les traigo el disco “Ocean” de la banda Eloy. Este grupo se formó en 1969 gracias al señor Frank Bornemann, alemán, claro.
Eloy lanzó discos anteriores como el homónimo Eloy, Power And The Passion, Dawn, entre otros, pero Ocean marcó la diferencia. En este disco, el grupo, en mi humilde opinión, dio todo de sí. Sin duda alguna, si tuviese que elegir un disco de Eloy, sería este.
Para empezar con el álbum, hay que decir que es un disco conceptual que se basa en el mito de la ciudad de Atlantis, desde su creación hasta el desarrollo de la misma y finalmente su destrucción, como también la de los dioses.
El disco abre con “Poseidon’s Creation” un tema hecho a base de batería, sintetizador y una guitarra con reminiscencias “Pinkfloydeanas” (de discos como Obscured By Clouds o Meddle). Tiene un esquema progresivo bastante marcado ya que los cambios de ritmos –entre otros factores- son constantes.
Sigue “Incarnation Of The Logos”, un tema que particularmente me gusta mucho. Acá el Sr. Bornemann nos cuenta como fue que nació Atlantis. Es un tema mucho más suave y sutil que el primero con bastante sintetizador. El pasaje del primer tema al segundo crea una atmósfera misteriosa, enigmática, enfatizada –como dije antes- por el sintetizador, la letra y el dialogo que van contando como fue que se originó Atlantis. Luego de que uno de los músicos pronuncia la frase “Primary procreation is accomplished” (Preocreación primaria cumplida) reiteradamente, todo va tomando mas forma, ritmo y velocidad. Siguen los solos de sintetizador.
Una vez culminado “Incarnation Of The Logos”, llega “Decay Of The Logos” que hace referencia a la época de mala fortuna que atravesó la ciudad. Arranca de manera tranquila aunque a medida que el tema va desarrollándose, se hace mas violento. Y eso es lo que se busca, agresividad y violencia en sonido como sinónimos de guerra, hambre, corrupción.
El disco cierra con “Atlantis’ Agony At June 5th-8498, 13 P.M. Gregorian Earthtime”. Particularmente no me desagrada este último tema, porque en mi caso entendí porque estaba hecho de esta manera, pero… pero, pero… hay quienes no pueden terminar de escuchar el disco. Es odiosa esta parte, if you wanna know the truth. Empieza con una narración insoportable (en un principio) que relata como fue que Atlantis fue destruída por los dioses. Como si fuera poco, hay que aguantarse el sonido tedioso y constante de sintetizadores y órganos. Y como si poco fuera poco, en el medio del desarrollo las narraciones siguen y siguen y siguen y siguen hasta el punto que pensás “deseo ser Atlantis, Dioses, mátenme”. Obviamente esto va a pasar si es la primera vez que se escucha el disco, pero sin embargo si uno presta atención al tema que abarca el disco seguramente entenderá porque el disco cierra así y no de otra manera y hasta seguro termina apreciando y entendiéndolo.
En cuanto a la tapa podemos decir que está conformada por una obra pictórica del Sr. Pintor Wojtek Siudmak, titulada “La Tempestad” (Basado en la obra de Shakespeare).
“Ocean” fue un disco totalmente rechazado en Alemania ya que era diferente a los discos de Krautrock que se escuchaban por aquellos pagos germanos en 1977. Sin embargo, este trabajo fue realmente elogiado en Estados Unidos.
Yo creo que este disco es excelente para todos aquellos que quieren chusmear algunas cosas de prog rock. Esta altamente influenciado por los discos de Pink Floyd –como ya dijimos- pero aún así hay ciertas cosas que deberían haber estado un poco más pulidas.
Aún así considero “Ocean” como el mejor trabajo de Eloy, ya que podemos ver un trabajo fuertemente grupal. Lo que más rescato es esa atmósfera un tanto apocalíptica que genera al escucharlo. Recomendable.

Some links to enjoy:
Poseidon’s Creation Part I:
http://www.youtube.com/watch?v=xytcCjPoHLQ
Poseidon’s Creation Part II: http://www.youtube.com/watch?v=EQPdHmCMvKw&feature=related
Incarnation Of The Logos:
http://www.youtube.com/watch?v=k3kvk5U6_sA&feature=related


Lucianne

Jethro Tull - Aqualung

Prog Rock – 1971

Señores y señoras, con ustedes Aqualung de Jethro Tull. Un disco especial. Antes de explicar el por qué de lo antes mencionado, una pequeña reseña histórica.
Como muchos sabemos, Jethro Tull es una banda de origen inglés liderada por el flautista y cantante Ian Anderson. El grupo se forma en 1968 y es uno de los exponentes del rock progresivo. Sin embargo, se afirma que Jethro Tull experimentó una serie de etapas siendo estas: los origenes (1962-1968), el desarrollo del estilo (1969-1971) hasta que llegan a la que más me interesa personalmente, la etapa de rock progresivo (1972-1976). Luego incursionaron en otras ramas del rock como el hard rock y el rock eléctrico. Aún así, la banda supo mantener siempre su sonido folk tan característico.
Ahora pasemos a lo nuestro. Aqualung. Un disco de 1971 un tanto controversial en todos los aspectos. Vamos por partes. Para empezar voy a plantear la siguiente pregunta: Aqualung… ¿Rock progresivo? Para muchos esa pregunta es toda una cuestión. En mi opinión, yo al disco de progresivo no le encuentro absolutamente nada. Yo creo que tiene un toque más folk o hard o una fusión de ambos. Aún así, pienso que Aqualung es el disparador que le abrió las puertas a Jethro Tull y a su disco Thick As A Brick (el sucesor del disco en cuestión) al rock progresivo en 1972.
A pesar de no presentar un esquema musical tan progresivo, el disco es hermoso y no hay algo “malo” por así decirlo. Creo que incluye temas buenos pero hasta ahí, ya que los discos que le siguen a Aqualung tienen temas mucho mejores. Lo que es muy bueno es que es un trabajo realmente digerible… lo ponés, lo escuchás de corrido, se termina, lo guardas, that’s it. Es totalmente escuchable ya que no es para nada complejo como algunas obras del prog rock. Ian Anderson dice en una entrevista (que se incluye como bonus track en la edición especial por el 25º aniversario) que Aqualung no es gran cosa y tiene razón, pero simplemente la banda necesitaba un álbum como este.
Otra cotroversia es: ¿Es Aqualung un álbum conceptual? Y eso es como preguntar “¿Por qué Sibarita es taaaaan rica?”: nadie lo sabe, excepto el genio que inventó la receta. Acá ocurre lo mismo, hay quienes afirman que sí y hay quienes afirman que no, como ser el mismo Ian Anderson (entonces queda más que claro porque Sibarita es taaan rica). La confusión se da ya que el disco presenta como una separación de temas, de topics. Por un lado tenemos canciones como Aqualung (la historia de un vagabundo –el de la tapa del disco- de nombre Aqualung), Cross-Eyed Mary (Mary la bizca, una canción sobre una chica que ejerce la prostitución y es todavía chiquita), Cheap-Day Return (tema dedicado al viejo de Anderson que estaba muy enfermo), Mother Goose, Wond’ring Aloud y culmina con After Me. Todas estas canciones son una clara crítica a la sociedad inglesa de la época. Por otro lado encontramos canciones como My God (una canción casi tan importante como Aqualung), Hymn 43 (tema que particularmente me gusta mucho), Slipstream, Locomotive Breath (Canción que en España fue sustituída por otra ya que el gobierno franquista censuró no solo la canción sino el disco entero –en lugar de salir a la venta en 1971 salió en 1976 y todo toqueteado-), Wind Up y Lick Your Fingers Clean.
Esto está pensado y llevado al vinilo de la siguiente manera: El lado A se titulaba Aqualung y hace referencia –como ya dije- a la decadente sociedad inglesa y cuenta con personajes como mendigos, prostitutas y marginados. El lado B llevaba el nombre de “My God” (“Mi Dios”, para los hispanoparlantes) y su función es cuestionar a Dios y por ende se mete con la institucionalización de la religión… cosa que cayó bastante mal (y a mí demasiado bien).
La edición que se lanzó por el 25º aniversario, trae de yapa temas como Song For Jeffrey (temón), Fat Man y Boureé (la famosa pieza de Bach con un arreglo muy jazz de Anderson) y también incluye una entrevista a Ian Anderson (Sí, ya se, ya lo dije).
Ya de por sí la tapa nos dice todo. El mendigo Aqualung…amo esa tapa. Ese pordiosero no es más que Ian Anderson, quien personalmente afirma que es una de las tapas que menos le gusta.
Anyway, es un disco que para mí vale la pena, más allá de los “defectos” antes mencionados (¿es prog o no es prog?, los temas son buenos hasta ahí, etc, etc). Considero que Aqualung es un disco que hay que tener ya que se disfruta mucho. Personalmente (y como es de esperarse de mí) me encantan las letras, me fascinan los temas profundos que tocan (como la sociología y la religión) y los simbolismos.
Es un trabajo exprimible al mango, digerible. Es digno de disfrutar no solo por todo lo que dijimos antes, sino también por la flauta de Ian Anderson y el virtuosismo en la guitarra de Martin Barre. Ian, un grande, tiene mucha técnica y le pone mucha onda a lo que hace. Pero ¿qué importa lo que yo pueda decir de Anderson? Es Ian Anderson. Estamos hablando de Jethro Tull.
Compren Aqualung, o al menos escúchenlo, porque sino, hay tabla.

Lucianne

Some links to enjoy:
Aqualung: http://www.youtube.com/watch?v=QqZmtq5LhFo
Locomotive Breath: http://www.youtube.com/watch?v=gdz_G1VGJ4c&feature=related
My God: http://www.youtube.com/watch?v=dh0woT7NkKI
Boureé: http://www.youtube.com/watch?v=iWJgJkVL0xM (miren lo pibe que era el Ian en este video)

Mis 120 Discos Predilectos

(Sin Orden De Importancia, pero en orden alfabético y con cuatro discos de yapa)

1-Almendra – Almendra – 1969
2-Big Brother And The Holding Company – Chip Thrills – 1968
3-Bubu – Anabelas – 1977
4-Burzum – Hvis Lyset Tar Oss – 1994
5-Camel – Moonmadness – 1976
6-Can – Tago Mago – 1971
7-Captain Beefheart & His Magic Band – Trout Mask Replica – 1969
8-Caravan – In The Land Of Grey And Pink – 1971
9-Colosseum – Daughter Of Time – 1970
10-David Gilmour – On An Island – 2006
11-Deep Purple – Made In Europe – 1975
12-Deep Purple – Made In Japan – 1973
13-Django Reinhardt – Jazz In Paris – 1956
14-Eros – Dun – 1981
15-Go With What You Know – Dweezil Zappa – 2006
16-Eloy – Destination - 1992
17-Eloy – Ocean – 1977
18-Emerson, Lake And Palmer – Emerson, Lake And Palmer – 1970
19-Esperanto – Danse Macabre – 1974
20-Eulenspygel – Ausschus – 1972
21-Focus – Hamburger Concerto – 1974
22-Focus – Moving Waves – 1971
23-Frank Zappa – Apostrophe – 1974
24-Frank Zappa – Chunga’s Revenge - 1970
25-Frank Zappa & The Mothers Of Invention – Fillmore East June 1971
26-Frank Zappa – The Grand Wazzoo – 1973
27-Frank Zappa – Hot Rats – 1969
28-Frank Zappa – Joe’s Garage – 1979
29-Frank Zappa – London Symphony Orchestra Vol I – 1983
30-Frank Zappa – One Size Fits All – 1975
31-Frank Zappa – Sheik Yerbouti – 1979
32-Frank Zappa & The Mothers Of Invention – Weasels Ripped My Flesh – 1970
33-Frank Zappa – Frank Zappa In New York – 1978
34-Frank Zappa – 200 Motels – 1971
35-Franz Ferdinand – Franz Ferdinand – 2004
36-Genesis – Foxtrott – 1972
37-Genesis – Nursery Cryme – 1971
38-Genesis – Selling England By The Pound – 1973
39-Gentle Giant – Free Hand – 1975
40-Gentle Giant – In A Glass House – 1973
41-Gong – The Flying Teapot – 1973
42-Gong - You – 1974
43-The Grateful Dead – The Grateful Dead – ¿?
44-Grobschnitt – Solar Music Live – 1978
45-Gryphon - Red Queen To Gryphon Three – 1974
46-Gustavo Cerati – 11 Episodios Sinfónicos – 2001
47-Harmonium - Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison – 1975
48-Hoyry-Kone – Huono Parturi – 1997
49-Invisible – Invisible – 1974
50-Ezekiel – Itoiz – 1980
51-Janis Joplin – I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again, Mama! – 1969
52-Janis Joplin – Pearl – 1971
53-King Kong – Jean-Luc Ponty – 1969
54-Jeff Beck – Truth – 1968
55-Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow – 1967
56-Jethro Tull – Aqualung – 1971
57-Jethro Tull – Thick As A Brick – 1972
58-Jimi Hendrix – Electric Ladyland – 1968
59-Jimi Hendrix – Stages ’68 Paris – 1968
60-Jimi Hendrix – Live At Woodstock – ¿?
61-John Lennon – Imagine – 1971
62-John Lennon – Plastic Ono Band – 1970
63-Joni Mitchell – Blue – 1971
64-Kate Bush – Hounds Of Love – 1985
65-King Crimson – In The Court Of The Crimson King - 1969
66-King Crimson – Larks’ Tounges In Aspic - 1970
67-King Crimson – Red – 1974
68-Led Zeppelin – Led Zeppelin IV – 1971
69-Led Zeppelin – Mothership – 2007
70-Lee Michaels – Thumbs – ¿?
71-Liquid Tension – Experiment I – 1998
72-Locanda Delle Fate - Forse Le Lucciole Non Si Amano Più – 1977
73-M.I.A. – Cornonstipicum – 1977
74-Magma - Mekanik Destruktiw Kommandoh – 1973
75-Mahavishnu Orchestra – Birds Of Fire – 1973
76-Manal – Manal – 1970
77-La Maquina De Hacer Pájaros – Películas – 1977
78-Mike Oldfield – Tubular Bells – 1973
79-Muse – Absolution – 2003
80-Museo Rosenbach – Zarathustra – 1973
81-Neu! – Neu! I – 1972
82-Neuschwanstein – Battlement – 1979
83-Nirvana – Nirvana – 2002
84-Pescado Rabioso – Artaud - 1973
85-Pescado Rabioso – Desatormentándonos – 1972
86-Premiata Forneria Marconi – Chocolate Kings - 1975
87-Premiata Forneria Marconi – Storia Di Un Minuto - 1972
88-Pink Floyd – Meddle – 1971
89-Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon – 1973
90-Pink Floyd – The Wall – 1982
91-Pink Floyd – Wish You Were Here – 1975
92-Popol Vuh – Seligpreisung – 1974
93-Porcupine Tree – Coma Divine – 1997
94-Queen – A Night At The Opera – 1975
95-Quicksilver Messenger Service – Happy Trails – 1968
96-Radiohead – OK Computer – 1997
97-Renaissance – Sherezade And Other Stories – 1975
98-Rolling Stones – Beggars Banquet – 1968
99-Rush – Moving Pictures - 1980
100-Samla Mammas Manas – Maltid – 1973
101-Sigur Ros – Takk – 2005
102-Sinead O’Connor – So Far...The Best Of Sinead O’Connor – 1997
103-Sleepytime Gorilla Museum – Of Natural History - 2004
104-Steve Hillage – Green – 1969
105-Stevie Ray Vaughan – Couldn’t Stand The Weather – 1984
106-Tangerine Dream – Phaedra – 1974
107-Ten Years After – Undead – 1968
108-The Alan Parsons Project – Tales Of Mistery And Imagination – 1976
109-The Beatles – Abbey Road - 1969
110-The Beatles – Revolver – 1966
111-The Beatles – The White Album – 1968
112-The Beatles – Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band – 1967
113-The Doors - Legacy: The Absolute Best – 2003
114-The Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico – 1969
115-The Velvet Underground – White Light, White Heat – 1968
116-The White Stripes – Elephant – 2002
117-The Who – My Generation, The Very Best Of The Who – 1996
118-Univers Zero – 1313 – 1977
119-Van Der Graaf Generator – Still Life – 1976
120-Van Der Graaf Generator – The Quiet Zone/The Pleasure Dome – 1977
121-William Gray – Living Fossils – 2006
122-Yes – Close To The Edge – 1972
123-Yes – Fragile – 1972
124-Yes – The Yes Album - 1971

P.S.: En verdad esos cuatro discos "de yapa" que se mencionan al prinicpio "de yapa" no tienen absolutamente nada, justo me pase cuatro del 120 jaja.

Luli

Lee Michaels

Blues/ Rock Blues

El 24 de Noviembre de 1945 en Los Angeles, California, nacía el gran Lee Michaels. Sí, aquel que lanzó el temón "You know what I mean". Estaba pensando como es posible que no haya sido TAN conocido como lo fue Jimmy Smith. Di vueltas y vueltas por lugares de Buenos Aires tratando de encontrar aunque sea un "The Best Of" (discos recopilados que NO me caen bien porque siempre, SIEMPRE dejan temas que son joyas de lado) y volví a mi casa con las manos completamente vacias. ¡Dios!

Lee es uno de los músicos del género blues, blues-rock (algunos lo incluyen en el rock clásico) que más me gusta. Para la época en la que empezó su carrera, era un músico inusual ya que no era común que un solista tocara un Hammond en lugar de una guitarra. Tocó con tipos grosos como Jimi Hendrix, entre otros.

Este es un músico que me da pena la verdad, el tipo era zarpado músico, tenía una increíble voz, su música estaba hecha solo con su Hammond y con una batería (la de Sparky). Tocó con Jimi, firmó contratos con Columbia. Pero no tuvo éxito ya que su trabajo no fue lo suficientemente valorado. Como si fuese poco, el pobre Lee se quedó prácticamente sordo.

Y como frutilla del postre, los discos no se consiguen. Maldito marketing.

Acá un tema, el que más me gusta: Stormy Monday (No es de Lee, pero es un cover ex-ce-len-te)

Gracias Uncle Kelly, fuente de conocimiento ;)

(Don't you wish your uncle was as cool as mine??)

P.S.: Desearía que Papa Noel, Santa Claus, existiera, porque le pediría que me traiga un iceberg enorme desde el Polo Norte y lo metería en la pelopincho. Maldito calor, it won't leave me alone ¬¬

Icebergs,

Lucianne